So Why One More Music Blog?

Nouvelle adresse pour SWOMMB

2010-09-06T17:40:00.006+02:00

Pour la rentrée, SWOMMB a choisi de faire peau neuve et de prendre un nom de domaine.

Des nouvelles idées (on vous en reparle rapidemment), plus de fonctionnalités (liens directs vers pages Facebook, Twitter, Flux RSS et inscription à la newsletter) pour une meilleure lisibilité, donc plus de confort pour vous lecteurs.

Mettez à jour vos favoris puisque vous pourrez désormais nous retrouver sur :

www.swommb.com

A très vite!

VILLAGERS Becoming a Jackal

2010-08-31T21:14:00.005+02:00

Voici un disque qui va être difficile à ignorer cette année. Sorti au printemps, j'y avais alors jeté une oreille furtive mais attentive, le mettant précieusement de côté. Car dès l'instant où l'on s'y plonge véritablement, il devient quasi impossible de ne pas y revenir. Jeune multi-instrumentiste surdoué, Conor O'Brien (émancipé de son ex-groupe The Immediate) est en réalité seul aux commandes de ces Villagers. Il devient par là même le premier irlandais signé par l'omniprésent et incontournable label anglais Domino Records.

Du premier extrait éponyme de l'album nait un choc. Becoming a Jackal appartient en effet à la catégorie des classiques instantannés, cette caste privilegiée de chansons qui s'imprime durablement dans l'inconscient, et ce dès la première écoute. Simplicité et pureté au service d'un refrain lumineux. En ouverture, I Saw The Dead dessine les contours d'une pop élégante et hantée, dont la noirceur des textes tranche radicalement avec l'éclat qui s'en dégage. Piano et cordes s'y cotoient à travers des arrangements d'orfèvre. Une tension latente louvoie d'un bout à l'autre de l'album, Conor O'Brien ne cherchant jamais vraiment à la dissimuler, l'assumant même assez fièrement, mais tout en nous préservant à l'aide d'harmonies riches et variées. Un certain lyrisme de dévoile sur le poignant The Meaning of the Ritual, et surtout sur le magnifique That Day. Quelques choeurs 60's appuient discrètement Home, et le dernier tiers du disque (exception faite d'un Pieces plutôt tourmenté) se veut plus léger (Set The Tigers Free) et plus folk, sous parrainage Simon & Garfunkel (The Pact).

La comparaison avec Neil Hannon est fréquente, de par la nature des projets respectifs et surtout leurs origines irlandaises, mais elle est peu évidente musicalement parlant. Quoiqu'il en soit, Conor O'Brien parvient ici à atteindre une grâce mélodique rare qui, mariée à de brillants arrangements, font déjà de ce premier essai un véritable coup de maître.

Cédric B

8/10

Paru le 31/05/10
(Domino/PIAS)

http://www.wearevillagers.com/
http://www.wearevillagers.com/

Chroniques à lire également sur Esprits critiques, Des Oreilles Dans Babylone et Sound Of Violence

KLAXONS Surfing The Void

2010-08-27T21:16:00.004+02:00

Propulsés malgré eux chefs de file d'un mouvement (mort-né?) typiquement britannique (de son éclosion à sa teneur), la nu-rave, les Klaxons sortent en 2007 Myths Of The Near Future, qui confirme alors de par sa verve mélodique les singles qui les avaient placés en haut des charts. Trois ans plus tard, paraît finalement leur nouvel album au terme d'un bras de fer interminable avec leur maison de disque, celle-ci leur ayant expressément demandé de le ré-enregistrer.

Surfing The Void n'est pas un disque amical. Mais, plus grave, il possède même de prime abord les symptômes du fameux second album raté. L'an passé, le groupe, alors en pleine crise, se sépare de James Ford, le pourtant talentueux batteur/producteur (Simian Mobile Disco, The Last Shadow Puppets...). Ils font alors appel, pour le remplacer, à un producteur de nu-metal, Ross Robinson (Korn, Deftones), avec pour conséquence directe un son dopé, tout en muscles. A tel point que certains morceaux se noient littéralement sous le poids d'une batterie bien trop lourde et d'effets trop pompiers (Surfing The Void et son horrible refrain). D'autres se distinguent par un véritable tiraillement, une lutte intestine entre une production boursouflée et des mélodies tentant tant bien que mal de se frayer un chemin (Flashover, Cypherspeed). Car les Klaxons négligent trop souvent ici (à moins que ce ne soit volontaire, ou le souhait de leur mentor) leur qualité principale : l'intensité mélodique. Que plusieurs titres viennent pourtant nous rappeler, s'il le fallait : Echoes (vraie réussite drapée de dramaturgie), Valley Of The Calm Trees (mélodieux à souhait et psyché à la MGMT) ou Twin Flames (dans une moindre mesure).

On arrive au terme de Surfing The Void exténué, épuisé. La faute à une production frimeuse et rustre qui ne rend absolument pas service au groupe. Une impression de gâchis surnage car le potentiel des Klaxons, qui ont donc négocié ce virage du second album plus que laborieusement, n'est pas exploité dans le bon sens. A tel point que l'on se met à rêver de ce que ce magicien de James Ford aurait pu faire de ce disque...

Cédric B

5,5/10

Paru le 23/08/10
(Universal)

http://www.klaxons.net/
http://www.myspace.com/klaxons

A lire également une chronique bien plus dure sur Playlist Society et une autre beaucoup plus positive sur Benzinemag.

CHK CHK CHK Strange weather, isn't it?

2010-08-23T18:32:00.005+02:00

Moins reconnue et médiatisée que la bande à James Murphy, celle de Sacramento emmenée par Nic Offer n'en demeure pas moins méritante. D'autant que le sort semble s'acharner sur ce collectif disco-punk. Depuis 2007 et leur troisième excellent album Myth Takes, ils ont enregistré les départs successifs de trois de leurs membres (le chanteur/percussioniste John Pugh, le bassiste Justin Van Der Volgen puis le guitariste Tyler Pope), et, pire encore, le décès accidentel de leur batteur Jerry Fuchs à l'automne dernier. Parti entre-temps humer l'air revigorant et s'inspirer de l'émulation créative de la capitale allemande, !!! (ou Chk Chk Chk) se remet malgré tout en piste et sort un quatrième album, intitulé Strange weather, isn't it?

Partageant avec LCD Soundsystem beaucoup d'influences, allant du funk à l'electro, en passant par la disco et le post-punk, leurs musiques respectives se rejoignent parfois sur la forme, et entièrement sur le fond. Le but est simple : vous faire transpirer et danser jusqu'à la transe. La formule reste sensiblement la même d'un album à l'autre, et celui-ci ne fait pas exception, démarrant assez tranquillement (Am/Fm). Funky et disco (The Most Certain Sure), funky et soul (Wannagain, wannagain), groovy (Jamie, My Intentions Are Bass), la machine certes tourne sur la première partie du disque, mais plutôt mollement. Elle se met même à ralentir sur Steady As The Sidewalk (et son chant très 80's) puis sur l'osseux et saccadé Hollow, nous faisant alors presque douter de la capacité du groupe à se renouveler. C'est le moment précis qu'a choisit !!! pour nous prendre au collet et nous mettre un bon coup de pied aux fesses, nous propulsant aussitôt sur le dancefloor, alors que l'on trainait près du bar, l'air désinvolte et blasé. Pour cela, il a suffit que la clique dégaine un Even Judas Gave Jesus A Kiss (quel titre!!!) tout en progression, aussi addictif qu'hypnotique. The Hammer et son atmosphère dark-electro enfonce ensuite le clou, avant que Made Of Money permette un retour progressif à la réalité.

Strange weather, isn't it? attaque donc moins frontalement que ses prédecesseurs, il semble hésiter et parfois même trainer en longueur. Le moteur met plus de temps à chauffer, mais finit tardivement par trouver son régime. C'est alors que le collectif devient irrésistible, à l'image d'ailleurs de ses prestations scéniques (pour ceux qui ont eux la chance de les voir). Car finalement, c'est essentiellement au live que la musique de !!! se destine.

Cédric B

6/10

Sortie le 30/08/10
(Warp/Wagram)

http://www.chkchkchk.net/
http://www.myspace.com/chkchkchk

Chroniques à lire également sur les incontournables Chroniques Electroniques et Playlist Society

Un extrait de Strange weather, isn't it? en écoute dans le lecteur

JIMMY EDGAR XXX

2010-08-19T23:29:00.005+02:00

Enfant de la Motor City, jeune prodige adoubé très tôt par ses pairs, aux côtés desquels il joue à l'âge de quinze ans dans les raves de Detroit, Jimmy Edgar déroule un CV à faire palir la plupart des artistes. Musicien multi-instrumentiste signé dès l'âge de seize ans par un label de Miami (Merck Records, sur lequel il sort son premier LP My Mines I), avant de finalement rejoindre l'écurie Warp en 2003, où il sortira un EP magistral en 2005 (Bounce, Make, Model), puis un second LP l'année suivante (Color Step). C'est désormais sur le label allemand !K7 Records que sort son dernier opus, intitulé XXX.

Le son de cet américain s'inspire de différents univers (techno, hip-hop, funk), mais il possède véritablement une touche particulière. Si l'on tentait de le définir, on pourrait alors qualifier sa musique de soul électronique à la sauce electro-funk, voire de r'n'b spatial et futuriste (à l'image de Physical Motion ou de Midnite Fone Call). Function Of Your Love en donne aussi un bon aperçu, avec sa voix susurrée posée sur un funk électronique, pendant que New Touch, morceau idéal pour tous les break-danseurs, en serait le double vocodé, organisant alors la rencontre de Roger Troutman et de Kraftwerk. Dans la famille élargie, Push serait lui le cousin du titre d'Ellen Allien, mais dans une version beaucoup plus sexuée, limite porno. Hot, Raw, Sex, premier extrait pailleté de bleeps, précède en réalité la vraie tuerie de ce XXX, Turn You Inside Out, sur lequel une voix sensuelle vient épouser un track robotique, monstrueux et hypnotique. On serait même tenter d'utiliser certains qualificatifs plus tendancieux, tant Jimmy Edgar se lache dorénavant en ce qui concerne le chant, aidé en cela il est vrai par de nombreux effets jamais superflus. One Twenty Detail sera peut-être le morceau le plus surprenant, le groove minimal de départ se faisant régulièrement aspiré, comme lifté par Aphex Twin. Le natif de Detroit n'en n'oublie pas pour autant de rendre hommage à sa ville, avec des titres comme Rewind, Stop That tape ou In My Color, au son marqué de son sceau.

Depuis Color Strip, quatre années se sont écoulées, durant lesquelles le beau gosse est parti dans toutes sortes de directions. Investissant la mode (son autre grande passion) à travers la photographie et la vidéo, il multiplie de plus les projets annexes sous d'autres pseudos (Her bad Habit, Michaux), mais aussi les remixes et collaborations (avec Steve Mason du Beta Band). Si passionné qu'il a peut-être parfois tendance à se disperser, Jimmy Edgar parvient néanmoins avec XXX à faire converger ses diverses influences et à synthétiser un son qui n'appartient qu'à lui.

Cédric B

7/10

Sortie le 28/07/10
(!K7 Records/La Baleine)

http://www.jimmyedgar.com/
http://www.myspace.com/colorstrip

Chronique à lire également sur Stereotree

TWIN PRICKS Young At Heart / KALIAYEV Solipsism

2010-08-13T23:43:00.005+02:00

Délicat exercice pour le blogueur que celui de chroniquer le disque d'un ami ou d'une connaissance. Surtout ne pas se mentir : si l'on apprécie pas spécialement sa musique, cela relève alors du piège, voir du casse-gueule. Dans les cas qui nous intéressent à présent (puisqu'une fois n'est pas coutume, il s'agit ici d'une chronique double), le choix de mettre en avant deux groupes messins, Twin Pricks et Kaliayev, provient avant tout de la qualité artistique intrasèque aux projets respectifs, sans quoi je crois que je me serais tout simplement abstenu, prétextant alors certainement une excuse quelconque.

D'un côté, deux amis qui vivent par et pour la musique, responsables respectivement du son et de la programmation d'un café-concert (malheureusement vendu depuis) devenu quasi-culte dans la région, qui a vu défiler entre ses murs nombre d'artistes aussi rares que talentueux. Nourris d'influences musicales sans bornes, le duo Twin Pricks (clin d'oeil à la série-mère par excellence, même s'ils se défendent de tout fan-atisme déplacé) a sorti avant l'été un cinq titres naviguant entre folk désenchanté et indie-pop US 90's, impressionant de maturité et à la pertinence rare. Entre un A Better View totalement addictif, un Twin Freaks passant d'une douceur masquée à une violence distinguée, un I.R.T.F. au refrain plus qu'amical, un You Saved The Day pudique et un Fresh Like Dead caustique mais plein d'espoir, ces deux enfants du hardcore et du métal nous dévoilent aujourd'hui un potentiel plus que prometteur, qui nous rend pour le moins impatient quant à la suite de l'aventure.

De l'autre, le groupe formé par et autour de Sebastien Boess. Kaliayev (du nom d'un jeune terroriste russe du début du siècle), dont la galaxie oscille entre electronica raffinée (L'Aurore), post-rock (Decline Of Lights) et shoegazing, et où l'on peut déceler sans lunette des trainées de lumières laissées par Blonde Redhead (le superbe Don't Snap Me) ou Radiohead (Don't You Find, Everyone's Waiting). Le cerveau de cette entreprise en est également l'interprète principal (aidé par la chanteuse du groupe Playdoh, Marielle Martin sur deux morceaux), et il pose un chant légèrement en retrait qui, lorsqu'il accompagne ses compositions, l'effectue tout en retenue. Sincérité et mélancolie ne sont pas ici de trop pour transcender les turpitudes du quotidien, et s'élever assez haut pour fuir la médiocrité ambiante. Les claviers et xylophones font parfois écho à l'enfance (Ces Tableaux Vides dont les samples finissent noyés dans un torrent de guitares à la My Bloody Valentine), tandis que l'univers de Kaliayev se complète à merveille avec celui du Chapelier Fou (The Drowning).

Les chemins de ces groupes se sont bien évidemment déjà croisées, sur une scène d'un café-concert, dans un bar ou ailleurs. Notre route a croisé les leurs et il y a peu de chance qu'on les perde de vue. La vie de blogueur a du bon parfois.

Twin Pricks sur Chez Kito Kat

Kaliayev sur Le Kit Corporation

Chroniques à lire également sur Beyond the noize et Ground Control To Major Tom

ARCADE FIRE The Suburbs

2010-08-10T23:41:00.004+02:00

Entre Arcade Fire et moi, c'est une histoire de passion, comme pour beaucoup de gens, mais également de voyages. La musique des canadiens est à ce point chargée d'émotions qu'elle vient souvent illustrer des instantanés de nos vies, nous renvoyant à nos souvenirs. La maturation de leurs albums s'effectue cependant au gré des écoutes, et il s'avère délicat de s'en forger une opinion hâtive. Je me rappelle avoir acquis Neon Bible dans un shop d'un aéroport londonien en revenant de New York. Cette fois, je le découvre sur un bateau, et leur nouvel opus sort au coeur de l'été (et de mes vacances estivales), pas forcément la saison idéale pour apprécier au mieux un nouveau disque du groupe, qui plus est lorsque The Suburbs s'annonce assez différent des précédents.

Funeral puis Neon Bible furent en effet, chacun à leur manière, des disques immenses, façonnés par le deuil et hantés par les fantômes. Il semblerait désormais que la troupe emmenée par Win Butler et Régine Chassagne ait trouvé une certaine forme de sérenité, à l'image du morceau éponyme inaugural. The Suburbs, délaissant les rivages d'une abstraction qui les caractérisait, se concentre ici sur un thème des plus concrets, celui des banlieues américaines (et canadiennes), ces cités-dortoirs pour classe moyennes aisées, symboles de l'American way of life, assez identiques dans leur esprit et souvent gangrenées par l'ennui.

Ready To Start lance la machine canadienne, nous sommes en terrain familier, et l'on frissonne en retrouvant cette touche si particulière, cette façon quasi-unique de jouer sur le fil, tout au bord du précipice. Mais cette fois, les montréalais avancent fiers, la tête haute, sûr de leurs forces, tel des funambules chevronnés, et l'on sent alors que la peur et les ténèbres sont peut-être derrières eux. Modern Man illustre, à l'instar de Deep Blue ou We Used To Wait, cette légèreté inédite, malgré un envol quelque peu avorté sur la fin. Les membres du groupe ont poussé les lourds volets du manoir pour en ouvrir presque toutes les fenêtres, l'oxygène commence à circuler et quelques timides rayons de soleil font leur apparition.

Après un Rococo lancinant mais plaisant, Régine Chassagne prend les rênes du magnifique (et trop court) Empty Room, sur lequel elle croise le fer avec son compagnon, en apesanteur sur un nuage de cordes, le tout orchestré par le brillant Owen Pallett. Ce morceau constitue un des sommets de l'album, au même titre que Half Light I, superbe ballade transcendée elle aussi par un déluge de cordes. La seconde partie du morceau (le groupe affectionne les chansons en deux parties), qui puise dans une electro 80's, ne le complète d'ailleurs pas de manière évidente. Après s'être aventuré sur des terres stoner (Month Of May, dévoilé peu de temps avant la sortie du disque), ils nous gratifient d'un dernier titre en deux temps. Sprawl I & II nous dévoile ainsi un Win Butler dont la voix se fait plus claire, douce et aérienne, tandis que sa dulcinée convoque par la suite contre toute attente Blondie période Heart Of Glass.

Sortant régulièrement avec The Suburbs des sillons qu'elle avait profondément traçé, la fanfare céleste de Montreal trouve ici un souffle nouveau, un apaisement salvateur. Certains leur reprocheront sûrement ce choix, mais Arcade Fire ne risque pas d'abandonner son trône de sitôt, demeurant indéniablement au-dessus de la mêlée. Ce disque nous accompagnera assurément jusqu'à la fin de l'été, et à coup sûr bien plus longtemps encore.

Cédric B

8,5/10

http://www.arcadefire.com/
http://www.myspace.com/arcadefireofficial

A lire également la chronique-nouvelle de Benjamin sur Playlist Society, ainsi que celles sur Esprits Critiques et sur La musique à papa

Deux morceaux de The Suburbs en écoute dans le lecteur

EUROCKEENNES - Dans le public...

2010-08-09T17:26:00.029+02:00

Texte & Photos : Seb Grisey

Un festival n'est rien sans son public. Le festival c'est la cour des miracles où le quotidien s'envole chassé par les décibels, balayé par un vent de liberté.

Bigarrée, drôle, excitée, ivre, amicale ou fatiguée, la scène publique compte autant que celle des artistes.

Des visages et des instants saisis sur le vif.

KELE The Boxer

2010-08-05T10:59:00.005+02:00

Après une apparition fracassante en 2004 sur l'échiquier indie, et un premier album majeur en 2005 (Silent Alarm), Bloc Party sort ensuite deux disques plus difficiles d'accès mais tout aussi ambitieux (A Weekend In The City en 2007 et surtout Intimacy en 2008).

Chanteur et guitariste du groupe, leader à la personnalité marquée, Kele (de son vrai nom Kelechukwu Rowland Okereke), dont la voix rappelle souvent celle de Robert Smith, ressent ces derniers temps le besoin de mettre entre parenthèses une vie de groupe parfois tendue et conflictuelle, pour s'atteler à un projet solo qui lui tient à coeur, davantage tourné vers l'électronique.

Autant le dire tout de suite, malgré les bonnes intentions et la présence de XXXChange de Spank Rock à la production, ce disque est une énorme déception. The Boxer débute pourtant plutôt pas mal, avec un Walk Tall assez efficace et original (sonorités oscillant entre scie electro et grosses compressions limite putassières). Unholy Thoughts, à la forte parenté Bloc Partienne, survit également à ce qui s'apparente à un marasme. D'autres morceaux rappellent ceux du groupe, mais dans le meilleur des cas des faces B ou des chutes de studios (Everything You Wanted ou Yesterday's Gone). Tenderoni, le premier single de l'album, ne convainc que par instants, jusqu'à un refrain abominable. On navigue dès lors le plus souvent entre ennui (Other Side, New Rules ou All The Things I Could Never Say), vaine tentative d'investissement de la sphère électronique (un Rise à la production singeant Fischerspooner), voir carrément verrue suintante (On The Lam, entre horreur eurodance et UK garage régressive).

Sur la pochette de son album solo, Kele pose assis sur un ring de boxe, muscles saillants et corps huilé. Pour ceux qui n'auraient pas saisi la métaphore, le garçon revendique clairement vouloir muscler son jeu. Le problème étant que tout cela demeure au rang des promesses, car The Boxer, à trop vouloir partir dans toutes les directions, s'égard totalement. Allez Kele, arrête un peu la gonflette et va faire la paix avec ta guitare s'il te plaît...

Cédric B

4/10

http://www.iamkele.com/
http://www.myspace.com/iamkele

Chronique à lire également sur Branchetonsonotone

Deux morceaux de The Boxer en écoute dans lecteur

M.I.A. /\/\ /\ Y /\

2010-07-17T21:06:00.008+02:00

La première irruption de la tornade tamoule remonte à 2005, avec Arular (du prénom de son père) qui contenait alors des bombes comme Galang, Sunshowers ou Bucky Done Gun. Son style, mélange frais et explosif d'electro, de grime, de baile-funk et de samples de musiques indiennes ou sri-lankaises. M.I.A se distingue également par un univers visuel cheap et bariolé (elle a fait les beaux-arts à Londres) et des thèmes militants et engagés (l'héritage d'un père révolutionnaire).

En 2007, Kala (du prénom de sa mère) succède au premier opus, avec des singles toujours aussi impressionnant (Boyz, Jimmy ou Paper Planes). Ce dernier titre figure sur la bande originale du multi-oscarisé Slumdog millionnaire, conférant dès lors à la londonienne un nouveau statut, et de nombreuses sollicitations de la part de rappeurs américains (Kanye West, T.I.). Alors que ces derniers temps, les polémiques ont pris le dessus sur la musique, son troisième album (qui porte son nom, Maya) vient tout juste de sortir.

L'affaire ne débute plutôt pas mal, avec un Steppin Up guerrier et bruitiste, sur lequel vient se greffer claps et guitares, auquel succède un premier single en forme de sucrerie sonore, résolument plus pop qu'à l'accoutumée (XXXO). Mais les choses se gâtent rapidemment, et l'on va à partir de là naviguer entre médiocrité et ratage avéré. Plusieurs morceaux ressemblent à des faces B, pas entièrement ratés mais manquant cruellement de saveurs, ces épices auxquels elle nous avait habitué. C'est le cas de Lovalot, sur lequel elle semble vouloir régler des comptes («I really love a lot, but I fight the one that fight me»), du molasson Story To Be Told ou de It Takes A Muscle (reggae sous auto-tune chargé à l'hélium). On ne sait quoi penser de Born Free, premier extrait qui avait fait monter le buzz il y a trois mois avec un clip ultra violent (les grosses ficelles de Romain Gavras), et qui ne serait pas grand chose sans son sample du Ghost Rider de Suicide. Ni de Meds And Feds, toutes guitares dehors et gros beat hardcore qui tâche. M.I.A. convoque ici une énergie primaire qui s'avère souvent vaine. Et tandis que l'on flirte avec une douce médiocrité sur Tell Me Why ou Space, on atteint carrément le grand n'importe quoi sur Teqkilla, avec ses insupportables sirènes.

Aux manettes de ce troisième album, on retrouve la même équipe de producteurs que précédemment (M.I.A. aidée de Rusko, Switch, Blaqstarr et Diplo). Mais cette fois, la sauce ne prend quasiment jamais, et ce /\/\ /\ Y /\ s'avère plus que décevant. A croire que la tigresse tamoule s'est récemment davantage préoccupé de répondre aux attaques via Twitter (une journaliste du New York Times ayant mis en avant dans son article un éventuel décalage entre les propos engagés de l'artiste et son mode de vie désormais luxueux), en oubliant malheureusement de le faire par l'intermédiaire de son talent et sa musique.

Cédric B

4,5/10

Sortie le 13/07/10
(XL Recordings/Naive)

http://www.miauk.com/mayaaspect/
http://www.myspace.com/mia

A lire également sur Chroniques Electroniques

M.I.A, Born Free from ROMAIN-GAVRAS on Vimeo.

Deux morceaux de /\/\ /\ Y /\ en écoute dans le lecteur (en bas de la liste)

THE DIVINE COMEDY Bang Goes The Knighthood

2010-07-13T19:35:00.004+02:00

Quelle que soit la saison ou l'humeur du moment, on retrouve souvent avec ravissement une nouvelle aventure de The Divine Comedy, sans forcément s'y précipiter mais en succombant généralement à la grâce ambiante. Neil Hannon, tête pensante (mais également auteur-compositeur et interprète) de ce monument de pop élégante et orchestrée, a sorti fin mai son dixième album, un an après celui du projet parallèle The Duckworth Lewis Method (un curieux concept-album consacré au cricket).

En toute franchise, j'ai n'ai pour ma part pris le train en marche qu'assez tardivement, à partir de 2004 et Absent Friends. La pop de l'irlandais était certainement trop classieuse et délicate au milieu des années 90 pour des oreilles qui préféraient alors les expérimentations des savants fous de Bristol ou ceux d'une bande de ninjas armés de shuriken vocaux en provenance de Staten Island.

Down in the Street Below figure une parfaite entrée en matière, nous ouvrant les portes de la demeure de Lord Hannon, avant qu'un vent de cordes ne s'engouffre par une fenêtre entr'ouverte. The Complete Banker, dont le refrain se décline sur une note enjouée, brosse ensuite un portrait au vitriol d'un trader britannique, et, à travers lui, se paie l'ultra-libéralisme anglais au passage. Des morceaux comme l'estival Neapolitan Girl ou l'insouciant At The Indie Disco peuvent être rangés de même dans cette catégorie, alors que c'est sur Broadway qu'il nous invite sur Can You Stand Upon One Leg. Mais c'est dès lors qu'il investit la gravité que notre crooner brille davantage. Le titre éponyme de l'abum diffuse ainsi une somptueuse mélancolie, tout comme le poignant When A Man Cries arracherait quelques larmes au plus coriace des hooligans. Au coeur du disque, les sixties sont convoquées sur le beau Have You Ever Been In Love ?, une chanson que n'aurait sûrement pas reniée Frank Sinatra.

Neil Hannon a bâti au fil des années un univers aussi personnel qu'universel, qu'il a patiemment su consolider et renouveler. Ce Bang Goes The Knighthood fait la part belle, plus qu'à l'accoutumée, à une certaine forme de légèreté, matinée d'un sens accru de la dérision, à l'image de sa pochette. Il est ce chroniqueur urbain, conteur moderne affuté, ce dandy gardien de valeurs qui se meurent (The Lost Art Of Conversation), dans la lignée du grand Scott Walker dont il est le digne héritier. L'irlandais, très attaché à la France qui d'ailleurs le lui rend bien, propose par ailleurs en bonus un disque de reprises de chansons françaises enregistrées en 2008 lors d'un concert à la Cité de la Musique.

Cédric B

7,5/10

Paru le 31/05/10
(Divine Comedy Records/PIAS)

http://www.thedivinecomedy.com
http://www.myspace.com/thedivinecomedy

A lire également sur:
Culturopoing
Soul Kitchen
Esprits Critiques

Deux morceaux de Bang Goes The Knighthood en écoute dans le lecteur

EUROCKEENNES DAY 3 (dimanche 4 juillet 2010)

2010-07-09T21:22:00.026+02:00

Textes : Cédric Botzung / Photos : Seb Grisey

Troisième et dernière journée du festival. Les new-yorkais d'adoption de The Drums tirent leur épingle du jeu malgré la difficulté d'être programmés en fin d'après-midi sur la Grande Scène, en plein cagnard. Le jeu de scène et la gestuelle travaillée (entre robot et pantin désarticulé) de Jonathan Pierce, qu'on avait déjà pu apprécier dans leurs clips, n'y sont pas pour rien.

Bien que jet-lagué et à prioris un peu malade, Le francophile et néo-californien chanteur des Strokes semble totalement à l'aise sans ses collègues, aidé il faut l'admettre par des musiciens puissants et pour le moins expérimentés. Le défi inhérent à cette configuration sera justement de se montrer à la hauteur, chose pas forcément évidente. Mais la coolitude de Julian Casablancas lui permet la plupart du temps de s'en tirer, que ce soit quand il évoque la fête nationale américaine ou lorsqu'il s'approprie un classique des Strokes.

James Murphy et sa clique déroulent leur electro-disco-punk toujours aussi fédératrice que dévastatrice sur scène, enflammant au fil d'un set incendiaire le public du Chapiteau à la base déjà totalement acquis à la cause de LCD Soundsystem.

Triomphe du trio normand sur la plus petite scène du festival devant un public qui dans son écrasante majorité découvre ce soir-là le groupe et son univers scénique et théatral combinant folk enfantin et sincère, hip-hop décalé et electro loufoque et punk. A tel point que Gablé revient sur scène pour un rappel, chose qui n'arrive pour ainsi dire jamais dans le cadre d'une programmation millimetrée de festival, acclamé alors par un public de plus en plus nombreux au fil du show.

Sur la scène de la Loggia, décoiffée de son chapiteau depuis l'année dernière, les californiens de Health balancent leur noise-electro...

... avant que Action Beat, puis les anglais de Fuckbuttons rivalisent de bruit dans la nuit belfortine. Le rouleau compresseur du duo britannique et son mur du son noise-techno ravage d'ailleurs tout sur son passage, pour notre plus grand bonheur mais un peu moins celui de nos tympans...

Les vétérans de Bristol sont les têtes d'affiche de cette dernière soirée. La dream-team est réunie, avec un 3D en véritable petit chef d'orchestre, Daddy G, Horace Andy le fidèle rasta, plus Martina Topley-Bird déjà à l'affiche en solo l'après-midi. Massive Attack envoi un son assez énorme, soutenu par un light-show au point, le concert idéal pour clore sereinement ces trois journées bien remplies.
A l'année prochaine...

(Merci aux Eurockéennes)

EUROCKEENNES DAY 2 (samedi 3 juillet 2010)

2010-07-07T22:19:00.014+02:00

Textes : Cédric Botzung / Photos : Seb Grisey

Nous débutons une deuxième journée à la programmation légèrement moins attractive (en tout cas sur le papier) à nouveau un peu tard, ce qui nous fait rater le fantasque Omar Souleymane et son improbable et irrésistible electro orientale. Alors qu'au loin nous devinons Broken Social Scene puis Airbourne sur la Grande Scène, le premier concert sera celui des norvégiens de Serena Maneesh (et leur bassiste rappelant étrangement Kim Gordon) qui gagnerait à se calmer un peu sur les drogues.

L'electro-pop délicate de Memory Tapes, qui se produit en duo accompagné d'un batteur, éprouve quelques difficultés à restituer la magie opérant sur disque. Dayve Hawk manque en effet un peu de charisme et d'assurance, on l'imagine plus à l'aise chez lui à triturer ses machines.

Une des affiches les plus attendues du festival accouche d'une déception somme toute prévisible, la pop minimale et éthérée des anglais de The XX se prêtant plus à l'atmosphère d'une salle ou d'un club qu'à une grande scène. Malgré un public au départ mobilisé et acquis à leur cause, le Chapiteau se vide peu à peu.

Enfin, et alors qu'un mini-déluge s'abat sur Belfort, une artiste parvient à elle seule à chasser les nuages, pour ce qui s'avèrera certainement être le meilleur concert du festival. Janelle Monae, explosive, transcende sur scène l'enthousiasme et le talent déjà démontrés sur disque. La nouvelle diva de la soul est autant à l'aise dans chaque univers qu'elle investit, soutenue par des musiciens de haut vol et par un spectacle visuel de qualité. On ressort de cette prestation à la fois lessivés et subjugués.

Photos Seb Grisey (...qui abattu par une crève d'enfer regrette de ne pas avoir eu le courage de ressortir son appareil photo après le déluge pour Janelle Monae...)

(Merci aux Eurockéennes de Belfort)

EUROCKEENNES DAY 1 (vendredi 2 juillet 2010)

2010-07-06T19:42:00.031+02:00

Textes : Cédric Botzung / Photos : Seb Grisey

Planning serré oblige, on débarque tardivement sur le site du festival. Ayant déjà largement débuté le processus de deuil quant au concert des Black Keys, je me satisfais finalement d'attraper au vol les cinq derniers morceaux du duo d'Akron. Duo qui n'en a en réalité que le nom, car ces deux-là font autant de bruit qu'un régiment, et leur fin de set très rock'n'roll se révèle fort réussie.

Le charisme et l'élégante arrogance de Tom Meighan (Kasabian) accompagne la suite des festivités sans réelement convaincre...

... avant que les excellents Foals, emmenés par leur chanteur Yannis Philippakis (dont la taille est inversement proportionnelle au talent) n'enflamment la scène de la plage. Leur set débute sur un enchainement de morceaux extraits de leur premier album Antidote, puis se met au diapason de la nuit bien installée avec ceux de leur récent Total Live Forever.

La politesse et la décence nous suggérera de ne pas trop nous attarder sur la pathétique prestation de Charlotte Gainsbourg, au demeurant excellente actrice mais chanteuse totalement sur-estimée qui éprouve les pires difficultés à pousser sa voix. Ce qui peut être masqué en studio mais ne pardonne pas lorsque l'on doit tenir une grande scène...

De même que pour Kanye West l'année dernière, un manque flagrant d'objectivité nous poussera à qualifier la prestation évènementielle de Mr Shawn Carter alias Jay-Z de meilleur show de la soirée. La star enchaine ses classiques avec des extraits de Blueprint 3 avec classe et brio, des musiciens talentueux et un light/video show parfait lui facilitant la tâche. Malgré la rumeur persistante d'une arrivée surprise de Madame sur scène, Queen B alias Beyoncé ne fera pas son apparition. Quoiqu'il en soit, on ressort du concert heureux et avec des images de New York by night plein les yeux.

Plus tard, Hot Chip parviendra par moment à emballer le public du Chapiteau, malgré les habituelles difficultés éprouvées par Alexis Taylor pour pousser sa voix au timbre si particulier. Enfin, la palme de la prestation la plus catastrophique reviendra haut la main à la pré-retraitée Missy Elliott, qui malgré des danseurs, un MC ambianceur et un début prometteur, se contentera d'enchainements poussifs et ultra-rapides de ses hits, entrecoupés d'insupportables sirènes et autres cris destinés à haranguer un public médusé. Ou comment redéfinir le verbe cachetonner...

(Merci aux Eurockéennes de Belfort)

SWOMMB aux Eurockéennes de Belfort

2010-06-30T22:24:00.008+02:00

Avec l'été, sa chaleur et ses orages débute la saison des festivals.
Cette année, SWOMMB a choisi de couvrir les Eurockéennes de Belfort 2010.
Un évènement qui, d'année en année, confirme sa réputation tout en se diversifiant et en donnant leur chance aux nouveaux artistes.
Vos serviteurs tenteront de vous restituer au mieux à travers des comptes-rendus les concerts au programme et les ambiances sur place par le biais de galeries photos.
Alors rendez-vous pour tout cela la semaine prochaine!

La programmation complète et toutes les infos pratiques ici

DRAKE Thank Me Later

2010-06-25T20:06:00.003+02:00

So Far Gone, sa quatrième mixtape sortie l'année dernière, nous avait déjà alerté au sujet de son talent. Le jeune canadien sortit ensuite (après une véritable foire d'empoigne qui aboutit en 2009 à sa signature sur Young Money) un premier EP officiel, So Far Gone EP, confirmant les espoirs placés en lui. Aux côtés de Kid Cudi, il symbolise une nouvelle génération d'artistes qui ont choisi de ne justement pas avoir à faire de choix entre hip-hop, r'n'b et electro, aussi doué et à l'aise quand ils rappent que lorsqu'ils chantent. Son premier album Thank Me Later vient de se placer directement en tête du Billboard à sa sortie.

Issu d'une famille de musiciens, Aubrey Drake Graham, jeune métisse ontarien né il y a 23 ans à Toronto, débute au préalable une carrière d'acteur dès 2001. Puis sa première mixtape sort en 2006, attirant alors l'attention de Lil' Wayne, et par la suite celle de nombreux artistes confirmés (dont Jay-Z, Kanye West ou Little Brothers), lui conférant un entourage impressionnant et consolidant une réputation grandissante.

Drake aspire aux mêmes ambitions que celles de la plupart de ses collègues américains, axées principalement autour de l'argent ("I'm 23 with a money tree" sur The Resistance) et du succès ("I want the money, the cars, the clothes, the hos I suppose, I just wanna be successful" sur Successful), mais moins sur le mode arrogant habituel qu'à travers un univers souvent sombre et infesté de spleen. Il décline un savant mélange d'assurance et de mélancolie, un désanchentement que résume assez bien le morceau d'ouverture avec Alicia Keys (Fireworks). Le style est aisément reconnaissable : beat ultra minimaliste accompagné de nappes de claviers, avec et sans auto-tune (The Resistance). Cette formule peut s'avérer irrésistible, comme sur l'énorme Over (premier extrait de Thank Me Later, à propos des opportunistes "I know way too many people here right now that I didn't know last year, who the fuck are y'all?"), sur Up All Night (tuerie avec la rappeuse du Queens Nicki Minaj), ou sur Light Up (et son beat ultra lourd que vient fracasser l'empereur Jay-Z). Mais le canadien se disperse aussi malheureusement un peu trop sur des morceaux r'n'b plus sirupeux, d'ailleurs les moins réussis de l'album (Shut It Down ou Karaoke).

L'état d'esprit de ce disque peut se rapprocher de celui du chef d'oeuvre controversé du fantasque Kanye West 808s And Heartbreak, même s'il ne s'agit pas ici de la catharsis d'un génie mégalomaniaque, mais simplement de désillusions d'une jeune artiste rencontrant un vif succès. Même si Thank Me Later se révèle inégal, Drake s'attardant parfois dans une posture de lover, sa sensibilité s'exprime pleinement lorsqu'il voyage habilement en équilibre entre sentiments et postures antagonistes.

Cédric B

7/10

Paru le 14/06/10
(Young Money/Cash Money/Universal Motown)

http://www.myspace.com/thisisdrake

Drake - Over from Burnocchio. Story. on Vimeo.

JANELLE MONAE The ArchAndroid

2010-06-20T23:01:00.005+02:00

Voici typiquement le genre de disque, surgit quasiment de nulle part, qui vient bousculer nos plannings de sorties. Irruption soudaine, régénérante et salvatrice. Au sujet de cette artiste américaine, on a peu d'informations. Janelle Monáe (Robinson de son vari nom) avait déjà sorti un premier album autoproduit (Metropolis, non-distribué) puis un EP (The Chase Suit). Lorsque débarque ce disque à la pochette tout droit sorti d'une bande-dessinée de SF, il devient crucial de s'y pencher de près.

De The ArchAndroid se dégage une ambition évidente, le disque s'inscrivant dans la lignée des concept-album, nombreux dans l'histoire de la musique noire-américaine (de Herbie Hancock à Outkast). Parrainée d'ailleurs par ces derniers (elle participe à la bande originale du film Idlewild, composée par Big Boi et André 3000) et signée par P. Diddy, la jeune américaine nous propose un opera-soul afro-futuriste narrant les aventures de son clone bionique qui a pour humble mission le sauvetage de l'humanité.

Entrecoupé d'interludes cinématographiques, le disque est d'un bout à l'autre truffé d'instrumentations riches et d'une diversité ahurissante. Gorgé de soul, de jazz, de folk, de rock et d'electro, la richesse des compositions se met de plus toujours au service de la voix de la diva. Celle-ci, insolente d'élasticité, parvient à briller dans chaque gamme investie sans jamais se perdre dans des vocalises superflues propres à nombre de ses consoeurs. Reine soul sur Locked Inside ou Oh, Maker (construit sur une base folk) et sur Neon Valley Street (qu'elle illumine littéralement), Janelle Monáe prend les rênes d'une magnifique ballade entre rêve en apesanteur et douceur sixties (Sir Greendown). Elle redouble également d'efficacité sur les morceaux plus énergiques, comme sur Cold War (tuerie uptempo entre Outkast et Gnarls Barkley) ou sur la pépite du disque, l'hymne doo-wop Faster, où elle se permet le luxe de ressusciter le défunt leader des Jackson's le temps d'un couplet inattendu. Une sélection qualitative d'invités vient enfin compléter l'oeuvre. Ainsi, le prince du spoken-word Saul Williams donne le change sur le taquin et enlevé Dance Or Die, Big Boi sur le très James Brown Tightrop et Kevin Barnes (Of Montreal) sur l'étrange mais original Make The Bus.

S'émancipant immédiatement d'une nu-soul stagnante, Janelle Monáe dessine ici au présent le futur de la soul et du r'n'b, en rendant également hommage à tout un pan de la musique noire-américaine. Sorti il y a un mois en France dans une discrétion incompréhensible, on souhaite à ce disque immense, sur lequel tous les morceaux s'enchainent avec une fluidité et une élégance rare, la reconnaissance qu'il mérite.

Cédric B

8/10

Paru le 17/05/10
(Bad Boy Records/Atlantic Records/WEA)

http://www.jmonae.com/
http://www.myspace.com/janellemonae

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Deux morceaux de The ArchAndroid en écoute dans le lecteur (en bas de la liste)

UFFIE Sex Dreams And Denim Jeans

2010-06-14T00:11:00.007+02:00

Ce premier long format de la parisienne d'adoption appartient à la catégorie de ceux que l'on n'attendait plus. La bad chick native de Miami, de son vrai nom Anna-Catherine Hartley, trash (ses poses et prestations scéniques) et glam (ses relations amoureuses avec Feadz puis André) à la fois, fut dès l'avènement de son hit Pop The Glock en 2006, l'étoile (filante?) de la galaxie Ed Banger (et son unique représentante féminine). Le label electro français qui, après avoir largement occupé le terrain artistique et médiatique, a aujourd'hui ralentit le rythme. L'album d'Uffie, qui ne constitue donc que le quatrième LP du label (après ceux de DJ Mehdi en 2006, Justice en 2007 et Krazy Baldhead en 2009) réunit la crème de la crème des producteurs electro made in France (Mr Oizo, Feadz, Mirwaïs et SebastiAn).

Trois singles déjà sortis précédemment apparaissent sur le tracklist de ce Sex Dreams And Denim Jeans. En premier lieu, on retrouve bien entendu l'inépuisable Pop The Glock, avec son cocktail d'electro hip-hop nappé d'auto-tune, qui n'a pas pris une seule ride. Le sincère First Love (2007), qui célébre les années 80, ainsi que MC's Can Kiss, single old-school hip-hop sorti en début d'année (avec ses samples de Roxanne Shanté et de Giorgio Moroder) sont également au programme. L'efficacité de ces singles, pourtant assez différents les uns des autres, n'est plus forcément à démontrer. Mais le passage au format long demeure une toute autre histoire. En réalité, on se trouve presque ici dans le même cas de figure que dans la majorité des albums de rap américain. Une dream-team de producteurs, quelques morceaux explosifs, mais aussi pas mal de remplissage. La présence de Pharell Williams en personne sur le nouveau single ADD SUV ne fait malheureusement qu'illusion. Pas un mauvais morceau, mais un peu trop d'auto-tune (on reconnaît à peine sa voix), et de calcul. Le poppy Give It Away glisse gentiment, Difficult agace simplement, tandis que l'adaptation du Rock'n'Roll de Lou Reed sur le titre éponyme de l'album se révèle peu inspirée, et que l'estampillé Mirwaïs 80's edition Illusion of Love nous laisse circonspect. La jeune femme aborde d'ailleurs pas mal le thème de l'amour sur ce disque, certainement inspirée par une existence déjà bien remplie pour son âge (elle n'aura que 23 ans cette année) et un récent statut de mère. Fort heureusement, plusieurs réussites viennent sur la seconde partie de l'album équilibrer l'ensemble. Deux morceaux introspectifs, produits par Mr Oizo laissent leur empreinte, le sombre Art Of Uff et le mélancolique Our Song. Deux autres titres produits par le brillant Feadz (qui lui a de plus écrit ou co-écrit la plupart des textes) viennent enfin nous rassurer : le retro hip-hop Brand New Car et le smooth Ricky, alors que le magicien Mirwaïs sort pour finir de sa manche l'enlevé et bondissant Hong Kong Garden (reprise electro du morceau de Siouxsie et hommage à la ville où Uffie a passé la majeure partie de son adolescence).

La déception est donc en partie au rendez-vous pour un disque attendu depuis quatre ans. Comme dans le sport, l'addition de talents individuels n'est pas toujours garante de la cohésion d'ensemble. On ne jettera pourtant la pierre à aucun des producteurs, car chacun tire son épingle du jeu à un moment donné sur cet album (surtout Feadz et Mr Oizo). Pas toujours convaincu par les titres de Mirwaïs, il semblerait que ce dernier ait néanmoins joué un grand rôle dans l'enregistrement et la motivation de la fantasque américaine, à tel point qu'un futur projet commun serait en gestation. A suivre donc, et même si un tri s'impose, ce Sex Dreams And Denim Jeans se déguste, avec modération (avec une mention spéciale pour l'originalité de la pochette, qui se range dans une poche en jean's siglée Uffie).

Cédric B

6/10

Sortie le 14/06/10
(Ed Banger Records/Because/WEA)

http://www.uffie.tv/
http://www.myspace.com/uffie

UFFIE - ADD SUV (feat . Pharrell Williams) HD from Uffie on Vimeo.

Deux morceaux de Sex Dreams And Denim Jeans à écouter dans le lecteur (en bas de la liste)

TRENTEMØLLER Into The Great Wide Yonder

2010-06-09T22:57:00.007+02:00

Le premier essai d'Anders Trentemøller paru en 2006, The Last Resort, plaça d'emblée le danois au rang de virtuose des musiques électroniques, tant ce chef-d'oeuvre inusable se révélait un des grands disques de la décennie écoulée. . Découvert comme DJ et producteur house, il compose une musique brassant techno minimale, electronica, ambiant, dub et cold-wave. Une compilation de remixes (The Trentemøller Chronicles) et un mini-live (Live In Concert EP) plus tard, il sort aujourd'hui son second album studio.

L'univers de Trentemøller ne se laisse pas forcément apprivoiser au premier contact. La richesse de ses morceaux nécessite plusieurs écoutes attentives (et de préférence sur une installation hi-fi digne de ce nom), qui plus est lorsque de nouveaux éléments marquant font, comme ici, leur apparition. The Mash And The Fury, qui débute sur des sonorités voisines de celles de Mark Bell pour évoluer, grandir et exploser dans un véritable orage sonore, nous éclaire au sujet de la première grande nouveauté du disque : les guitares. Le danois, qui possède une culture musicale plutôt orientée rock, les dissémine ici et là tout au long de ce Into the Great Wide Yonder. Menaçantes sur le morceau d'ouverture, elles célèbrent ensuite le plus souvent les heures de gloires de la surf-music et du western spaghetti, comme sur Past the Beginning of the End, sur lequel elles cohabitent amoureusement avec une guitare accoustique, avant de croiser la route des Cramps liftés par Alec Empire sur le métallique Silver Surfer, Ghost Rider Go!!. L'autre innovation essentielle de ce nouvel album provient de l'apport des voix. Grand fan de Hope Sandoval, le natif de Copenhague a convié sa compatriote Marie Fisker sur Sycamore Feeling qui constituent, avec Even Though You're With Another Girl, les titres vocaux les plus aboutis. Neverglade accueille Fyfe Dangerfeld (le chanteur de Guillemots), utilisé dans un contre-emploi, tandis que Ti ne convainc guère. Mais Trentemøller n'oublie pas pour autant ses premiers amours, avec un Shades of Marble d'une veine plus techno (et sublimé par les guitares) ou un Haxan rêveur et batailleur à la fois.

Ce second album studio pourra dérouter de prime abord, mais une écoute attentive ne décevra pas les nombreux admirateurs de cet artiste majeur des musiques électroniques (aux côtés de Pantha du Prince pour la richesse des sons ou de Massive Attack pour la profondeur des basses), qui compose, joue et arrange avec une précision et une minutie d'orfèvre. Si Into The Great Wide Yonder s'avère relativement différent de son prédécesseur, c'est précisement sur cette évolution que l'on s'attardera pour savourer ces nouvelles orchestrations électroniques.

Cédric B

7,5/10

Paru le 02/06/10
(In My Room/La Baleine)

http://www.anderstrentemoller.com/
http://www.myspace.com/trentemoeller

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Deux morceaux de Into The Great Wide Yonder en écoute dans le lecteur (tout en bas)

THE DRUMS S/t

2010-06-06T20:13:00.012+02:00

Surfant sur la vague de la hype depuis le carton de leur irrésistible et addictif single estival Let's Go Surfing (paru sur leur EP Summertime sorti au début de l'hiver sur le label Moshi-Moshi, illustrant déjà l'ambivalence du groupe), le quatuor originaire de Floride et installé à Brooklyn (repéré par les renards de Kitsuné sur leur compilation Maison 8, et petits protégés d'Hedi Slimane qui les photographiait il y a quelques mois) passe désormais au long format, avec un premier album éponyme qui pourrait faire date.

Comment ne pas décevoir lorsque l'on place d'emblée la barre aussi haut, avec un classique instantané de pop californienne en guise de CV? The Drums a su trouver la réponse, en inscrivant sa pop sincère dans une démarche pérenne. Ces New-Yorkais d'adoption ont su déjouer le piège, bien décidés à ne pas se laisser enfermer dans une case «sunshine-pop 2.0», trop étroite à leur goût. La pop californienne des années soixante fait évidemment partie de leurs influences majeures, et des titres comme l'ensoleillé Skippin' Town ou le somptueux Book Of Stories viennent tout simplement valider cette évidence. Mais c'est autant dans le brouillard mancunien, la froideur cinglante de la new-wave et des sonorités made in Factory que ces jouvenceaux sont allés puiser leur inspiration, ressuscitant rythmiques martiales et autres basses tendues chères à Tony Wilson sur Me And The Moon ou Forever And Ever Amen. Et la combinaison pertinente de ses deux influences fortes conduit d'ailleurs à de belles réussites, comme le désanchanté Best Friends, l'émouvant Down By The Water (qui figurait déjà sur Summertime) ou le magnifique We Tried.

La musique de The Drums fait se rencontrer des univers qu'à la base tout opposait, réussissant la synthèse idéale entre la mélancolie des Smiths, l'implacable froideur de Joy Division et la surf-pop des Beach Boys. Leur pop témoigne autant des sentiments d'insouciance et d'avenir radieux (que peut véhiculer un certain idéal californien), que du revers de la médaille, à travers les désillusions et l'amertume de la vie. Un disque à apprécier quelle que soit la saison, dans la grisaille d'un soir d'été autant qu'un matin réchauffé par un soleil d'hiver.

Cédric B

8/10

(photo par Hedi Slimane)

Sortie prévue le 07/06/10
(Moshi-Moshi/Cooperative/Island Records)

http://thedrums.com/
http://www.myspace.com/thedrumsforever

Deux morceaux en écoute dans le lecteur (en bas de la liste)

THE BLACK KEYS Brothers

2010-05-31T18:42:00.010+02:00

Peu réceptif au blues en général, et ce malgré les sincères et nombreuses tentatives de vulgarisation en la matière en provenance des White Stripes (avec qui on les compare régulièrement) ou de Jon Spencer, j'avoue ne m'être jusqu'à présent jamais beaucoup attardé sur les disques des Black Keys. Il ne m'avait bien sûr pas échappé que les deux blancs-becs d'Akron avait fait produire leur précédente livraison (Attack & Release en 2008) par l'omniprésent sorcier Danger Mouse, et qu'ils eurent également fin 2009 l'heureuse initiative de convoquer la crème (érudite et plutôt old-school) du hip-hop américain, avec pour résultat le passionnant projet Blakroc, qui faisait suite au premier essai solo de Dan Auerbach (chanteur et guitariste du groupe).

Dire que Brothers, leur sixième album studio, eut sur moi l'effet d'une bombe relève de l'euphémisme. Pas une journée qui passe sans une écoute quotidienne depuis sa sortie. Il faut préciser que le duo de l'Ohio, en dignes héritiers de Junior Kimbrough (dont ils revendiquent l'influence et qui sorti également des disques sur Fat Possum Records), s'abreuve aux racines du blues et du rhythm'n'blues, mais aussi désormais à la source de la soul music. Everlasting Light inaugure les festivités sur une production bien grasse, tandis que Dan Auerbach et son acolyte Pat Carney à la batterie enchainent sur la première partie du disque plusieurs blues-rock songs bien torchées, à la production plus travaillée qu'à l'accoutumée (Next Girl, Howlin' For You ou She's Long Gone). Production qui devient tout simplement diabolique entre les mains de Danger Mouse sur l'énorme single Tighten Up que ne renierait pas Cee-Lo, son compère au sein de Gnarls Barkley. On sent d'ailleurs ici, à travers des fenêtres grandes ouvertes, une chaleur moite envahir la pièce, la voix de Dan Auerbach rivalisant soudain avec les grands soul brothers. Dès lors, et sur toute la seconde partie de Brothers, le ton est donné, de The Only One, superbe ballade amoureuse, jusqu'à la sublime reprise du standard soul Never Give You Up. Draguant l'univers des bandes originales tarantinesques sur Ten Cent Pistol et The Go Better (saupoudré de surf-guitar discrètes), le groupe de l'Ohio pousse l'insolence au point d'enfanter trois classiques instantanés de soul intemporelle : Too Afraid To Love, I'm Not The One et Unknown Brother.

En s'émancipant d'un héritage blues, auquel ils ont déjà largement rendu hommage, pour s'aventurer sur les terres de la soul music noire américaine, The Black Keys livre son meilleur album à ce jour. Le miracle qui se produit ici peut s'expliquer par cette forme d'intemporalité atteinte sur les compositions du groupe, qui transcende, avec le tout le respect dû mais aussi beaucoup de personnalité, le meilleur de la musique américaine du XXème siècle.

Cédric B

8,5/10

Paru le 17/05/10
(Nonesuch/PIAS)

http://www.theblackkeys.com/
http://www.myspace.com/theblackkeys

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The Black Keys - Tighten Up - Official Video from Chris Marrs Piliero on Vimeo.

Deux morceaux de Brothers en écoute dans le lecteur (en bas)

HOLY FUCK Latin

2010-05-27T23:23:00.007+02:00

Parfois associés à la scène math-rock, les canadiens de Holy Fuck (originaires d'Ontario et au nom faut-il l'admettre difficile à oublier), déjà deux albums au compteur (dont l'excellent LP en 2007), élaborent avant tout de la musique instrumentale électronique.

Auteurs d'époustouflantes prestations scéniques, ils possèdent de plus la particularité de jouer l'intégralité de leurs sons live, sans l'aide d'aucun ordinateur ni de programmation assistée. Il faut d'ailleurs avoir vu Holy Fuck en concert pour réaliser à quel point l'énergie et le rythme sont les moteurs de leur univers musical.

Une énergie d'une certaine manière comparable à celle de Battles (le groupe référence de la scène math-rock), et qu'une écoute de l'explosif et survitaminé Stilettos devrait permettre à ceux qui les découvrent aujourd'hui d'aisément imaginer. Le rythme, véritable colonne vertébrale du projet, est souvent ici poussé dans ses retranchements mais finit toujours par l'emporter. Décliné version groovy, avec une basse en première ligne sur Red Lights, il se frotte à une electro abrasive sur SHT MTN. Tout comme sur le précédent opus, neuf titres composent ce Latin, dont on retiendra également Stay Lit, qui évoque la touche Ratatat pour l'utilisation qui est faite de la guitare, et l'énigmatique P.I.G.S., car si le groupe se dispense volontiers de textes, il a néanmoins l'art d'opter pour des titres qui marquent (leur nom fut même sujet à une mini-polémique au Canada).

Certes moins impressionnant et légèrement moins varié que son prédecesseur, ce Latin fait cependant toujours son petit effet, et si Holy Fuck n'a pour le moment aucune date européenne de prévue avant la fin de l'été, il serait vivement conseillé de ne pas rater leur prochain passage aux alentours.

Cédric B

6,5/10

Paru le 25/05/10
(Young Turks/XL Recordings/Naive)

http://holyfuckmusic.com/
http://www.myspace.com/holyfuck

Deux morceaux de Latin en écoute dans le lecteur (en bas de la liste)

THE RUBY SUNS (+ TANLINES + YOUNG MAN) : Photos de concerts

2010-05-25T22:32:00.019+02:00

THE RUBY SUNS (+ TANLINES + YOUNG MAN) @ Trinitaires (Metz, 22/05/10)

The Ruby Suns:

Young Man:

Tanlines:

(photos Seb Grisey)

(merci à toute l'équipe des Trinitaires)

CRYSTAL CASTLES S/t (2)

2010-05-24T23:43:00.005+02:00

Les deux canadiens avaient déboulé dans notre galaxie musicale il y a deux ans de cela avec un premier album éponyme fracassant, où les symphonies digi-punk (à base de sons 8-bits largement maltraités) composées par le velu Ethan Kath accueillaient les chants, cris et autres formes de hurlements d'Alice Glass, le plus souvent déformés voire torturés. L'énergie et la fougue qui s'en dégageait n'avaient alors d'égal que l'attitude totalement punk du duo, largement confirmée sur scène par ceux qui, hagards et en nages, ont eu la chance d'assister à un de leurs concerts et d'en sortir (presque) indemnes.

Volontairement en marge, optant pour un DIY qui se résume à tout sauf une pose, Crystal Castles fut aussi accusé d'avoir utilisé à la sauvage des samples et des visuels sans les déclarer. Et pour définitivement brouiller les pistes et ne pas avoir à rentrer dans le rang, ils ne donneront pas de titre à ce second album (à la pochette glauquissime représentant une jeune fille hagarde errant dans un cimetière), tout comme pour le précédent. La nouveauté, c'est qu'Alice Glass s'essaye désormais sur certains morceaux à un chant plus orienté pop, avec d'ailleurs plus ou moins de réussite. Le refrain de Celestica lorgne ainsi dangereusement vers l'univers d'une sorcière rousse bien connue, tandis que Not In Love se vautre dans une overdose d'effets (transformant sa voix en celle d'un Snorky). Pourtant on la suit volontiers lorsqu'elle accompagne une rythmique bien moins rapide qu'à l'accoutumée sur Year Of silence, ou lorsque Empathy nous la dévoile plus sereine, presque apaisée, Pap Smear se révélant de son côté le morceau le plus pop du disque. Mais Ethan n'a pas pour autant rangé ses vélléités au placard, à l'image d'un Fainting Spells plus violent que jamais en ouverture, ou du court Doe Deer, pure déflagration sonore à travers laquelle la voix d'Alice peine à transpercer un voile de confusion digi-punk. Baptism et Suffocation sont quant à eux deux étranges objets électroniques sur lesquels le groupe flirte avec le mauvais goût pour mieux le concasser. Le premier voit des saillies euro-dance passées à la moulinette entre les mains hostiles d'Ethan, alors que le second symbolise tous les paradoxes des canadiens, le chant doux et robotique d'Alice tranchant volontairement avec des claviers stridents qui viennent progressivement coloniser le refrain du morceau, ainsi que nos tympans.

Ce dernier titre résume à lui seul la formule Crystal Castles, cette touche reconnaissable entre mille, extrême et toujours borderline dans son positionnement. Le duo canadien maltraite notre ouïe, mais on aime toujours autant se vautrer dans ces sonorités eschatologiques. On devrait cependant se méfier de la nouvelle posture d'Alice, qui nous attire avec quelques friandises pour finalement mieux nous jeter dans la gueule de son loup de compère.

Cédric B

7/10

Sortie prévue le 24/05/10
(Universal)

http://crystalcastles.com/
http://www.myspace.com/crystalcastles

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Deux morceaux de l'album en écoute dans le lecteur (en bas de la liste)

JOHN GRANT Queen Of Denmark

2010-05-21T23:06:00.011+02:00

Des Czars, on avait vaguement entendu parlé, mais il faut admettre que l'on n'en savait en réalité pas grand chose. Groupe originaire de Denver, ils ont enregistré six albums sur l'excellent label Bella Union entre 1994 et 2004, année au cours de laquelle cinq membres du groupe le quittèrent pour laisser seul aux commandes son leader John Grant. Lorsque l'on apprend que ce dernier fut cordialement invité par les musiciens de Midlake à enregistrer avec eux son premier album solo dans leur studio à Denton, il devient quasi-impossible de ne pas s'intéresser à la rencontre.

C'est d'ailleurs un véritable petit miracle qui se produit sous nos yeux. Le songwriting gracieux de John Grant, et sa voix lumineuse et apaisée, se marie à merveille aux arrangements raffinés des texans. Loin des ténèbres de leur au demeurant sublime The Courage Of Others, ces derniers brassent ici une palette plus riche et plus variée de sonorités, utilisant pour cela davantage d'instruments. Cette démarche est mise au service d'un disque gorgé d'espoir, qui brille de toutes parts. La voix de John Grant se glisse insolemment dans différentes peaux. Elle se fait d'emblée chaleureuse et irrésistible sur TC And Honeybear, escortée par des choeurs féminins célestes. Plus grave sur Where The Dreams Got To Die, où, accompagnée d'un piano, elle devient alors bouleversante, sur ce qui constitue l'un des joyaux de l'album. Plus claire, proche d'un Antony Hegarty sur le déchirant Caramel, où le piano se fait ici épauler par d'étranges claviers aux sonorités spatiales. La touche brit-folk (et ses flûtes 60's) de Midlake se fait ressentir sur I Wanna Go To Marz, tandis que le capitaine John Grant multiplie les changements de cap, juste pour le plaisir, avec un bonheur non dissimulé qui confère souvent à l'état de grâce. Plus loin, l'enjoué Chicken Bones fait place à un Silver Platter Club que n'aurait certainement pas renié les Beatles. Issu d'une famille religieuse et hyper conservatrice, il aborde enfin le sujet de l'homosexualité avec un brin de revanche et beaucoup d'humour sur JC Hates Faggots.

Le Texas, essentiellement à travers ses villes dites alternatives comme Austin ou Denton, bouillonne depuis quelques temps d'une énergie créatrice, et devient également le témoin privilegié de renaissances diverses. Après que Okkervil River ait contribué à remettre le pied à l'étrier à ce miraculé de Roky Erickson, c'est, toutes proportions gardées, au tour de Midlake de remettre en selle un immense chanteur en déroute, en la personne de John Grant. Ce dernier, qui évoque par instants, de par sa maturité et sa classe, l'anglais Richard Hawley, nous offre ici un magnifique disque sorti de nulle part, une de ces délicieuses surprises bouleversant nos carnets de routes.

Cédric B

8/10

Sortie le 26/04/10
(Bella Union/Cooperative Music/PIAS)

http://www.myspace.com/johnwilliamgrant

Trois morceaux de Queen Of Denmark en écoute dans le lecteur (en bas de la liste)

COCOROSIE : Concert + Photos

2010-05-20T16:10:00.014+02:00

COCOROSIE @ Kulturfabrik (Esch-Alzette, le 19/05/10)

Comme je l'évoquais dans la chronique qui leur était récemment consacrée, toute l'alchimie propre à la musique de CocoRosie repose souvent en équilibre sur un fil, une fine frontière séparant le génie du grand guignol. Celle-ci fut malheureusement franchie à plusieurs reprises lors de ce concert fantasque. Après une attente exagérément longue, le set débutait par un Undertaker désincarné au cours duquel Sierra finit par se décomposer et fondre en larmes, dos à la scène, qu'elle quitta ensuite. Le pauvre Tez parvient à meubler une attente remplie d'incertitudes grâce à ses talents de beat-boxer hors du commun. Puis le concert reprit, mais ce soir les soeurs Casady ne furent que les fantômes d'elles-même, traversant leurs chansons tel des spectres. Il existe certainement des raisons à ce qu'on qualifiera d'accident, car pour les avoir déjà vu à plusieurs reprises sur scène, la magie opère généralement. Restent à apprécier ces quelques clichés riches en couleurs d'une soirée qui ne le fut pas, à notre plus grand regret...

Cédric B

(photos : Seb Grisey)

(merci à l'équipe de la Kulturfabrik)

ROKY ERICKSON with OKKERVIL RIVER True Love Cast Out All Evil

2010-05-19T14:05:00.007+02:00

Et si l’on essayait de trouver une explication rationnelle à l’existence même du prénom Roky. Imaginons la scène dans une maternité d’Austin en 1947 «Chéri, et si on l’appelait Johnny»,
«mais non voyons ca sera Roky ». On pourrait facilement imaginer un vibrant hommage au virevoltant étalon italien au short satiné ou bien, en se tirant les cheveux, au seul chien de chasse coquin de la planète Disney qui en pinçait physiquement pour un renardeau orphelin… Que nenni leur sortie sur grand écran, respectivement en 74 et 81 fait exploser notre hypothèse en plein vol, et Roky de n’être que banalement la contraction de Roger et Kynard.

Au lieu de se lancer dans l’élevage de bêtes à cornes, notre beau et sexy Roky de l’époque trouva plus agréable de se déconnecter de la réalité en ingurgitant tous les psychotropes à disposition (Du champignon de Paris macéré dans du LSD à la truffe arrosé d’un soupçon de détergent ménager) et de raconter ses folles visions au sein du 13th floor elevator dès 1966. S’en suivirent deux grands disques, des séjours réguliers en institution psychiatrique, des conversations post mortem avec Buddy Holly, des partouzes sataniques avec E.T et Roswell laissant dubitatif Fox Mulder, et surtout des apparitions scéniques faisant passer les prestations médicamenteuses de Jethro Tull et Jefferson Airplane pour des goûters anniversaires avec Lucy non plus dans le ciel mais dans la piscine gonflable. Les années 70 et 80 fûrent constellées de plusieurs disques carrément géniaux ou très anecdotiques selon l’état dans lequel l’écoute se faisait et cette présence parcimonieuse, avec les Aliens ou en solo, lui permettra de surveiller de près sa ribambelle de furieux héritiers déjà bien gavés de Sonics, de Radio Birdman à Hellacopters plus récemment. Sans nouvelle de lui depuis 1996, voici le cowboy sans monture de retour, la bonne bouille des sixties ayant fait place à une tronche de Robert Wyatt passé à tabac.

Un come back effectué de bien élégante manière, avec un excellent album, True Love Cast Out All Evil, et accompagné pour cela des également texans Okkervil River, l’un des groupes folk américain les plus classieux et excitant (pour ne pas dire bandant) de ce nouveau siècle. On entre dans ce disque comme on saluerait obséquieusement un vieillard dans un hospice et boirait respectueusement ses sages paroles empreintes des douleurs passées tout en rêvant de whisky et de haricots rouges au coin du feu. Nonobstant cette présence mystique, l’infirmier en chef Will Shelf et son équipe restent eux même face à ce vieux canasson blessé et leurs instruments viennent parfaitement escorter la verve bucolique de Roky, faisant flirter cet album avec les grands espaces de Kris Kristofferson ou Townes Van Zandt.

L’homme qui nous avait dépucelé férocement les oreilles en 1966 avec You’re gonna miss me nous caresse maintenant les lobes, en toute amitié. Devant une telle réussite, on se surprend à rêver d’autres mariages improbables, Syd Barrett accompagné par Calexico ou Daniel Johnston jonglant sur les partitions des Walkmen…. mais sans les haricots rouges pour éviter tout ballonnement.

Trashyshooper

Paru le 26/04/10
(Chemikal Underground/PIAS)

http://www.rokyerickson.net/
http://www.myspace.com/rokyerickson
http://www.okkervilriver.com/
http://www.myspace.com/okkervilriver

LCD SOUNDSYSTEM This Is Happening

2010-05-16T22:54:00.011+02:00

Lorsqu'en 2005 parait le premier album de James Murphy (tête pensante du projet LCD Soundsystem, producteur émerite et co-fondateur de l'influent label DFA Records), qui contient des tubes interplanétaires comme Losing My Edge ou Yeah (sortis précédemment en single), celui-ci fait l'effet d'une bombe. Le New-York post-11 septembre se reconstruit ici et maintenant sur les cendres de son glorieux passé et de sa riche histoire musicale. Téléscopage entre punk et electro-disco, la musique de LCD Soundsystem repose sur une posture permanente d'hommage, mi-respectueuse mi-ironique (Losing My Edge ou Daft Punk is playing at my house et son name-drapping chargé). Le bonhomme connait la musique, «he's got a plan» comme on dirait outre-Atlantique, et il semble bien décidé à nous faire partager cet amour à travers une communion hédoniste.

Sound Of Silver confirme en 2007 en grande partie les espoirs placés en lui, avec même cette fois en bonus une petite larme versée (New-York I love you but you're bringing me down) et un morceau phénomènal (Someone Great). Aujourd'hui l'heure est venue pour James Murphy de clore ce qui s'annonce donc comme une trilogie, avec ce This Is Happening. Et à force de placer le new-yorkais sur un piédestal, ce dont je me suis souvent gardé, la déception finit forcément par être au rendez-vous. Non pas que ce troisième opus soit mauvais, mais tout simplement trop prévisible. La recette demeure la même, et le bas blesse lorsque les morceaux s'étirent un peu trop sur la durée, atteignant parfois les neuf minutes. C'est le cas sur le parfois poussif Pow Pow, tandis que notre nounours au sang irlandais se met à chanter comme Bono sur All I Want, qui débute pourtant comme du Sonic Youth. L'explosif Dance Yrself Clean, construit sur une pure rythmique maison, fait par contre son petit effet en ouverture. Le single Drunk Girls, quant à lui totalement calqué sur le White Light/White Heat du Velvet Underground, constitue en réalité le maillon faible du disque, alors que l'on s'ennuie gentillement sur I Can Change, Somebody's Calling Me ou Home. Mais This Is Happening possède heureusement également des vertus, à l'image du jouissif et très electro One Touch, qui sonne comme du Kraftwerk sous amphétamines, ou du glam-dance You Wanted A Hit, où l'on jurerait entendre la voix de Kevin Barnes de Of Montreal.

Un troisième volet donc en-dessous des deux précédentes livraisons, mais on aurait peut-être tort de faire la fine-bouche. Car le bougre possède les qualités de ses défauts, et l'aspect répétitif qui agace parfois sur disque est la base même de ses ahurissantes prestations scéniques, qui plongent immanquablement le public dans des états proches de ceux de la transe. A ce sujet, le concert donné à Luxembourg le 7 mai fut du même acabit que celui du lendemain au Bataclan (voir l'excellent billet sur Chroniques électroniques). Et même si en 2010, James Murphy n'est plus forcément le faiseur de tendances qu'on a connu cinq ans auparavant, il serait judicieux de considérer la trilogie dans son ensemble, ce qui n'en fera rien de moins qu'un des temps forts de ce début de siècle musicalement parlant.

Cédric B

6/10

Sortie le 17/05/10
(DFA Records/EMI)

lcdsoundsystem
myspace

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Chroniques électroniques

playlistsociety

Deux morceaux de This Is happening en écoute dans lecteur (en bas)

FOALS Total Life Forever

2010-05-09T23:31:00.009+02:00

Leur premier excellent album, Antidotes, propulsait d'emblée Foals dans la catégorie des groupes qui comptent et qui vont certainement compter à l'avenir, aux côtés de Bloc Party ou de The Klaxons. Tout laisse à croire qu'avec ce second essai, le groupe britannique, qui a pourtant pris ici un chemin bien différent, sait pertinemment ce qu'il veut et vers quoi il se dirige.

Emmenés par leur chanteur et guitariste Yannis Philippakis, aux origines grecques et à la personnalité marquée, le groupe eut il y a deux ans l'outrecuidance d'éconduire Dave Sitek (producteur influent et membre éminent de TV On The Radio), coupable d'un mixage guère à leur goût et qui fut au final retravaillé à leur manière. Gorgé de post-punk (avec ses cuivres no-wave), sous influence Gang Of Four et Talking Heads, peut-être un peu rapidemment affilié à la scène math-rock, ce disque se démarquait alors assez nettement de la concurrence, planant très au-dessus d'une mêlée de plagieurs en manque d'inspiration comme peut en générer l'Angleterre chaque année.

De son côté, Total Life Forever se dévoile bien moins frontalement que son prédécesseur. L'impact est un brin retardé, car tout y est plus insinueux. L'énergie se fait plus contenue, comme tapie dans l'ombre, mais finit tout de même par jaillir au détour d'un couplet. Foals semble désormais determiné à mettre son talent et son inspiration au service d'une écriture plus pop. Il s'agit là d'ailleurs moins d'une démarche opportuniste que d'un processus salvateur de renouvellement. Spanish Sahara nous avait déjà donné il y a quelques semaines un avant-goût de cette nouvelle orientation, cette longue plage illustrant parfaitement ce besoin de laisser le morceau mûrir, la mélodie quasi nue du début finissant dans un tourbillon, comme propulsée par une vague que rien ne semble pouvoir arrêter. C'est un vent de shoegazing qui souffle dans ce désert-là. Cette notion de progression et d'évolution est également au coeur de After Glow. Les parties plus rythmiques ne sont pas totalement délaissées pour autant, comme le prouvent Blue Blood ou This Orient, mais la bande d'Oxford se distingue dorénavant davantage sur des titres plus atmosphériques, comme 2 Trees ou Black Gold, par ailleurs particulièrement réussis. D'autre part, le groovy et attachant Miami tire aussi ici son épingle du jeu.

Pour des groupes exigeants comme Foals ou MGMT dernièrement, le virage du second album (à l'enjeu bien connu) n'a aujourd'hui pas d'autre alternative que de se négocier au frein à main. Les anglais ont de leur côté choisi de délaisser les rivages du math-rock pour ceux moins sinueux de la pop, une pop en l'occurence érudite et ambitieuse. Une démarche courageuse pour un disque qui se mérite.

Cédric B

7,5/10

Sortie prévue le 10/05/10
(Transgressive/WEA)

http://www.foals.co.uk/entry/
http://www.myspace.com/foals

Foals "Spanish Sahara" from Sub Pop Records on Vimeo.

Deux morceaux de Total Life Forever en écoute dans le lecteur

COCOROSIE Grey Oceans

2010-05-03T13:33:00.010+02:00

Le même dilemme peut se poser avec CocoRosie qu'avec Björk. A savoir une originalité conséquente, parfois poussée à l'extrême, fruit d'une personnalité artistique forte et débordante. Au sujet de l'islandaise, ceci a entrainé pour ma part une certaine lassitude et une prise de distances à partir de ses travaux post-Homogenic. A l'heure de leur quatrième album, au visuel plus que discutable (même laid, disons-le), ce phénomène peut-il guetter les soeurs Casady?

Sur le précédent The Adventures of Ghosthorne & Stillborne, un virage légèrement plus rythmique avait été opéré avec réussite, avec des morceaux davantage tournés vers le hip-hop et des structures faites de boites à rythmes émaciées ou de beatbox minimales mais intenses (grâce à la contribution de l'incroyable Tez), pour un résultat plus proche de leurs fabuleuses prestations scéniques. Ceci complétant un univers déjà riche voyant cohabiter naturellement freak-folk, musiques électroniques, chant lyrique (Sierra) ou scandé (Bianca) et bruits de jouets ou d'oiseaux. Onirique et des plus personnels, cet univers-là transpire la sincérité et ne cesse de jeter des clins d'oeils complices vers l'enfance.

Force est de reconnaître, à l'écoute de ce nouvel opus, que l'usure est loin d'être à l'ordre du jour. La machine à idée fonctionne toujours à plein régime, les soeurs ont d'ailleurs composé pas loin d'une quarantaine de morceaux pour au final en retenir onze. Ce Grey Oceans est cependant plus épuré, tout en retenue et faisant surtout la part belle au piano. Le responsable de cet innovation majeure, qui contribue largement à ce changement, est le pianiste français d'origine réunionnaise Gaël Rakotondrabe. Proclamé instrument roi, son piano devient ici le compagnon idéal accompagnant leurs voix. A l'image de Trinity's Crying en préambule, de Grey Oceans et surtout du sublime Undertaker, sommet du disque sur lequel la voix de Bianca nous achève tout en douceur. Mais il sait se faire plus léger (The Moon Asked the Crow), opter pour des ambiances de saloon (Hopscotch qui se poursuit sur une rythmique à la Mark Bell) ou de cabaret jazz baroque (Here I'm Come). Autre temps fort, le single Lemonade navigue entre mélancolie et refrain enjoué, alors que la voix de Bianca glisse sur les percussions anémiques pour se faufiler entre les sonorités orientales de Smokey Taboo. Plus loin, Gallows renoue avec des couleurs et codes familiers (à base de guitare sèche et de chants d'oiseaux) alors que l'atypique Faily Paradise débute sur une boite à musique pour se faire engrainer par un beat digne d'une Ellen Allien période début de règne.

Bien que cumulant les attributs et accessoires qui pourraient parfois nous pousser à les détester (look néo-hippie parfois limite comme sur la pochette du disque, codes surjoués avec cette obsession de pilosité exacerbée...), ce Grey Oceans nous fait encore aimer davantage les CocoRosie et leur monde étrange si diablement attachant, où l'on adore se réfugier. Et pour ceux qui n'auraient pas encore eu cette chance, un conseil : ne ratez les soeurs Casady sur scène sous aucun prétexte.

Cédric B

7,5/10

Sortie le 03/05/10
(Sub Pop/Pias)

http://www.cocorosieland.com/
http://www.myspace.com/cocorosie

Deux morceaux de Grey Oceans en écoute dans le lecteur

FLYING LOTUS Cosmogramma

2010-04-29T23:19:00.010+02:00

Le producteur originaire de Los Angeles est de retour avec un troisième opus, après «1983» en 2006 et «Los Angeles» en 2008. Alors que l'on avait déjà pu apprécier sa griffe si particulière sur ses précédents projets, mais aussi sur celui de son pote mystique Gonjasufi (dont il a produit deux titres), il nous gratifie aujourd'hui d'un «Cosmogramma» des plus ambitieux.

Optant pour une direction artistique à la hauteur de son talent, Steve Ellison (de son vrai nom) a donc décidé de faire voler en éclats les carcans bien trop étroits d'un genre que l'on définit, faute de mieux, comme de l'abstract hip-hop. Petit-neveu d'Alice Coltrane, il laisse désormais parler son héritage et s'exprimer sa fibre jazz. Tout ceci étant également rendu possible par la collaboration de musiciens confirmés, comme le bassiste Stephen «Thundercat» Brune (Young Jazz Giants), le trompettiste Todd Simon, le saxophoniste Ravi Coltrane (qui n'est autre que son cousin) ou la harpiste Rebekah Raff) qui participent à l'album, Ellison se positionnant en véritable chef d'orchestre.

L'autre option majeure de ce «Cosmogramma», c'est cette volonté d'ignorer les formats classiques, les morceaux (ne dépassant pas deux minutes pour la plupart) s'imbriquent pourtant aisément les uns aux autres pour former un canevas sonore des plus cohérents. Le disque s'écoute et se savoure dans son ensemble, et il serait vain de s'évertuer à vouloir extirper une pierre de cet édifice. On s'attardera cependant tout de même sur les formats les plus longs de l'album. A commencer par le riche et complexe «... And The World laughs With You» et sa rythmique syncopée qui une fois apaisée, accueille en son sein la voix de Thom Yorke, discrète mais nous gratifiant au passage d'une jolie ritournelle mélodique. Grand fan du label Warp, le chanteur de Radiohead est l'un des deux invités vocaux du disque, Laura Darlington intervenant sur l'aquatique «Table Tennis». On retiendra également l'irréristible «Do The Astral Plane» et sa touche deep-house (école Moodyman), qui débute dans une quasi aridité pour finir arrosée de cordes. De même que le délicatement hypnotique «Satelllliiiteee», ou un «Recoiled» tantôt free-jazz tantôt battle amicale entre beats et harpe.

Flying Lotus confirme largement ici tout le bien que l'on pensait déjà de lui, en enrichissant qui plus est sa palette de nouvelles nuances jazzy, ce qui devrait d'ailleurs lui faire rencontrer une audience élargie. Et Warp peut (une nouvelle fois) se targuer d'avoir repéré et signé ce prodige, qui peut être considéré comme le DJ Shadow du XXIème siècle.

Cédric B

8/10

Sortie prévue le 03/05/10
(Warp/Discograph/Wagram)

http://www.flying-lotus.com/

http://www.myspace.com/flyinglotus

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chroniques-electroniques

Deux morceaux en écoute dans le lecteur

FORTUNE Staring At The Ice Melt (Chronique + Photos de concert)

2010-04-24T23:38:00.026+02:00

Ce trio hexagonal ne sort pas, contrairement à ce que certains pourraient croire, de nulle part. Composé de Lionel Pierres, un ancien Abstrackt Keal Agram (duo formé en compagnie de Tanguy Destable connu sous le nom de Tepr, auteur de son côté de deux albums solos), ainsi que de Hervé Loos et Pierres Lucas (issu de la scène house et hip-hop), ces messieurs ont bien su s'entourer pour ce premier opus (des membres de Poni Hoax, Hopper ou Tahiti Boy & the Palm Tree Family leur ont ainsi prêté main forte).

Ce qui frappe ici d'emblée, c'est cette impressionnante maturité, dévouée à la cause d'une écriture pop. «Under The Sun», qui ouvre le bal avec sa production très électronique, nous prend instantanément par la main, nous invitant à pénétrer l'univers du groupe, dont on ne saura éviter l'évidente comparaison avec leurs cousins versaillais de Phoenix. Grand fan de Sonic Youth, Lionel Pierres se lache désormais véritablement au chant, après avoir mis sa voix entre parenthèses pendant des années sur son précédent projet. Tandis que «Gimme» sombre parfois un peu trop dans la facilité, «Bully» (utilisé en Anglerre pour un spot publicitaire) fait s'envoler tous les doutes dès le troisième titre. Ce tube imparable est un véritable hymne pop à l'anglo-saxonne, comme savent désormais en concocter nos frenchies. Fortune possède d'ailleurs à ce propos une insolente facilité à dégoter des mélodies. Ce «Staring At The Ice Melt» est truffé de pop-songs puisant dans l'héritage des eighties, comme sur «At Night» et son gimmick entêtant façon Visage, ou sur un «Poison» que n'aurait pas renié Robert Smith. On appréciera également le funky «Celebrate» et l'enjoué «Highway», parfait pour conduire une nuit d'été.

Délicat exercice que celui de contourner et d'éviter les nombreux et trop faciles jeux de mots relatifs au nom du groupe. On se contentera simplement de leur souhaiter une trajectoire peut-être pas à la Phoenix (même si ces derniers ont du attendre leur dernier album pour enfin devenir prophètes en leur pays), mais en tout cas au moins similaire aux surestimés Pony Pony Run Run, qu'ils surclassent ici assez largement.

Cédric B

7/10

Paru le 05/04/10
(Disque Primeur)

http://www.f-o-r-t-u-n-e.com/
http://www.myspace.com/ilovefortune

Music video "Bully" Fortune from GLG on Vimeo.

FORTUNE (+TEPR & WIZESTAR) @ Trinitaires (Metz, 23/04/10)

Wizestar ( http://www.myspace.com/wizestar )

(photos Seb Grisey)

(merci à toute l'équipe des Trinitaires)

CARIBOU Swim

2010-04-20T23:42:00.006+02:00

Le troisième opus de Daniel Victor Snaith, plus connu sous le nom de Caribou (deux autres étaient précédemment sortis sous celui de Manitoba) synthétise le meilleur des musiques électroniques de ces dernières années. Dans un monde parfait, il dépasserait logiquement le cadre du cercle (pourtant de plus en plus grand) des initiés.

Sur son précédent album «Andorra», le canadien avait déjà largement ouvert ses fenêtres à la pop et au psychédélisme. Une fois cette nécessaire (et pour le moins inspirée) mue opérée, il peut désormais revoir ses ambitions encore à la hausse, et atteindre ainsi avec «Swim» une qualité de pop électronique inédite. L'inusable «Odessa» (maxi sorti au mois de février) défie le norvégien Erlend Oye sur ses terres pourtant bien balisées au moyen d'un joyau d'electro-pop à la richesse rythmique déconcertante. Ce soin d'orfèvre apporté aux rythmiques en général, parfaitement illustré sur «Sun», est en grande partie le fait d'une formation initiale de percussioniste et de batteur. Les prestations scéniques de Caribou voient souvent le canadien s'installer aux commandes d'une des deux batteries qui en forment généralement le dispositif. La part belle est également faite à la pop et les mélodies de Daniel Victor Snaith, dont la voix est subtilement placée en léger retrait, comme sur un «Kaili» monté sur une structure squelettique et des nappes de synthés 80's qui finit vrillé sous des cuivres façon free-jazz. Plus encore sur «Found Out», pur chef-d'oeuvre d'électronique organisant la rencontre d'Autechre, de Hot Chip et (à nouveau) de Erlend Oye (avec qui la similitude vocale est décidement troublante), tandis que «Bowls» ressuscite de son côté la house classieuse et aérienne de Motorbass pour l'expédier dans les Alpes autrichiennes se faire sonner les cloches par Pantha du Prince.

Chacun des neuf morceaux de «Swim» fourmille d'une inventivité permanente. Les structures rythmiques, minimales mais néanmoins luxuriantes, se chevauchent, se superposent ou se dérobent, sachant précisément lorsqu'elles doivent se transposer en écrin prompt à accueillir une voix, alors proche et distante à la fois. Le tout est aussi limpide et implacable qu'une formule scientifique, et l'on donnerait bien volontiers un prix Nobel à ce Docteur en mathématiques pour le récompenser et surtout le remercier de ses recherches et trouvailles.

Cédric B

8,5/10

Paru le 19/04/10
(Coopérative Music/PIAS)

http://www.myspace.com/cariboumanitoba
http://www.caribou.fm/

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Deux morceaux en écoute dans le lecteur

KIT : Photos de concert

2010-04-15T21:20:00.016+02:00

KIT @ Trinitaires (Metz, le 10/04/10)

Les parisiens de KIT le 10 avril dernier à l'occasion de l'excellente soirée anniversaire "Personne Records One Year".

(photos : Seb Grisey)

(merci à l'équipe des Trinitaires)

MGMT Congratulations

2010-04-11T17:49:00.010+02:00

Les deux membres de MGMT, Ben Goldwasser et Andrew VanWyngarden, icônes (malgré eux?) de la hype , ont pris le parti de casser leurs jouets, de renier quasiment tout ce qui avait fait leur gloire suite au succès planétaire de «Oracular Spectacular». Tandis que le débat fait rage et que la blogosphère s'agite dans tous les sens à ce sujet, le moment est venu d'étudier le cas épineux du second album du duo de Brooklyn, «Congratulations».

Alors que la pochette de leur premier album (ainsi que leur look) les avait propulsé modèles de coolitude, faisant d'eux les vitrines d'une tendance hippie-chic, celle du nouveau, pas franchement des plus réussies, semble rendre hommage au retro-gaming. Une volonté de brouiller les pistes d'emblée, le visuel choisi n'ayant que peu de rapport avec le psychédélisme ambiant.

Passée l'étape d'une première écoute forcément sceptique, on sent rapidemment qu'il se passe quelque chose. Est-ce le capital sympathie que l'on accorde au groupe (à peine érodé par des prestations scéniques pourtant plus que décevantes) qui nous pousse à creuser dans cette direction, à écouter et ré-écouter ce disque (en écoute intégrale ici), et ce malgré des premières réactions bien souvent négatives? Toujours est-il que le jeu semble en valoir la chandelle, eu égard au cheminement embrassé.

Cette volonté de faire table rase d'une insolente immédiateté pop (couplée à la qualité inouïe de la production de Dave Friedmann, présent ici uniquement au mixage puisque l'album est produit par Sonic Boom) illustre un choix artistique fort (mais pas forcément planifié). Le choix d'une accroche mélodique moins spectaculaire qu'insinueuse se profile dès «It's Working», qui évoque la pop 60's californienne (Beach Boys et The Mama's & The Papa's), tandis que c'est la pop britannique (on pense par moments aux Babyshambles) qui est convoquée sur «Song For Dan Treacy», en version plus musclée sur l'inapproprié de part son titre mais au demeurant sympathique «Brian Eno». «Someone's Missing» et son refrain qui éclot tardivement, pour finir noyé sous la réverb, précède le premier extrait de l'album, «Flash Delirium», morceau foutraque, glam et baroque organisant la rencontre entre David Bowie et Of Montreal.
«Siberian Breaks», long de ses douze minutes, part dans différentes directions, explorant des pistes intéressantes, sans toutefois posséder de réel fil conducteur, de cohésion mélodique d'ensemble. On comprend d'ailleurs mal ce choix, car le morceau eut tout aussi bien pu être divisé en trois ou quatre titres distincts. De son côté, «I Found A Whistle» rappelle par contre les morceaux moins inspirés du précédent album, tandis que «Lady Dada's Nightmare» annonce entre rêve et cauchemar la fin du voyage, l'équipage nous remerciant de les avoir choisi sur le titre éponyme.

Nous fûmes au préalable prévenus, les tubes rangés au placard, ce «Congratulations» est bien un disque qui s'appréhende dans son intégralité. Il célèbre une pop britannique qui serait pimentée par le psychédélisme des Flaming Lips. La démarche de MGMT est risquée mais plutôt courageuse et dénuée de passéisme, se révélant plus sincère que cynique. Et même si tout n'y est pas parfait, et que les kids risquent fort de devoir ranger leurs Wayfarer multicolores, on adhère volontiers à cette évolution, qui préfigure une carrière tout sauf éphémère.

Cédric B

7,5/10

Sortie prévue le 12/04/10
(Sony)

http://www.whoismgmt.com/fr/home
http://www.myspace.com/mgmt

ANGUS & JULIA STONE Down The Way

2010-04-05T23:39:00.009+02:00

Sur le papier, l'histoire de ces deux-là paraît trop belle pour être honnête. Frère et soeur dans la vie, les australiens publient leur second album (après «A Book Like This» sorti en 2007 et rencontrant à priori un beau petit succès, notamment en Angleterre) empreint d'un folk des plus délicats.

Originaires de Newport, près de Sydney, ils partent cette fois à la conquête du monde avec ce «Down The Way», qui a, faut-il l'avouer, tout pour plaire. Dont de nombreuses et nobles armes, parmi lesquelles deux se distinguent d'emblée : leurs voix. En effet, celles-ci se répondent moins qu'elles se relaient sur de jolies pièces folk, paisibles et accoustiques, pouvant se faire plus orchestrées grâce à l'apparition d'un violon, ou de guitares distillant savamment quelques grammes d'électricité ici et là. La voix de Julia se veut fragile et regardant clairement vers l'enfance (elle joue du reste beaucoup sur cette corde), empruntant même par instants la posture des soeurs Casady de CocoRosie, tandis que celle de son frère Angus laisse quant à elle transparaître une fissure plus subtile, doublée d'une mélancolie à fleur de peau. «For You» est une invitation faite par Julia à la rejoindre dans son univers, où sa voix y gagne d'ailleurs à s'aventurer dans les graves. Alors que deux titres, à l'efficacité imparable, s'extirpent facilement de la melée. «Black Crow» d'abord , où Angus promène sa voix légèrement trainante, pendant que celle de sa soeur l'accompagne, tout en lui faisant écho. Et bien sûr l'énorme «Big Jet Plane», morceau parfait saupoudré de guitares épurées et de cordes raffinées qui devrait en faire chavirer pas mal. Sensualité et minimalisme sont ici au rendez-vous, une recette gagnante utilisée par ailleurs avec bonheur l'an dernier par leurs cousins anglais de The XX. Malheureusement, certains titres évoluent un cran en dessous, et ne parviennent pas à éviter un sentiment d'indifférence voire parfois d'ennui.

Un disque qui en réalité pourra toucher autant qu'agacer (voir les deux dans mon cas), peut-être du fait d'une certaine abondance de bons sentiments et d'un maniérisme pas toujours controlé, mais qui devrait séduire un public français ayant déjà largement succombé à d'autres duos gentillement surestimés...

Cédric B

6,5/10

Sortie prévue le 12/04/10
(Discograph/Wagram)

http://www.angusandjuliastone.com/
http://www.myspace.com/angusandjuliastone

Deux morceaux en écoute dans le lecteur

ACID WASHED S/t

2010-04-01T21:32:00.008+02:00

Découverts à la fin de l'année dernière avec leur obsédant maxi «Snake», et après avoir remixé le mythique «L'amour et la violence» de Sébastien Tellier, ce mystérieux duo (composé de Richard d’Alpert et de Andrew Claristidge) passe désormais au long format sur Record Makers, un label toujours aussi exigeant dans ses choix artistiques.

Le premier morceau de l'album, «General Motors, Detroit, America» (qui figurait déjà sur le maxi) est des plus explicite à ce sujet, tant le groupe s'inscrit dans une démarche artistique de relecture, cependant entièrement dénuée de toute intention caricaturale. Débarque alors la machine à danser «Snake», propulsée par des turbines proto-house et pilotée par Barbara Panther, berlinoise à la voix féline, aux commandes du bolide. On embarque ensuite pour un trip hypnotique mâtiné de nu-disco tendance DFA (percus délicates et violon discret) avec un «Change» sous parrainage Giorgio Moroder, pendant qu'un aller simple pour la «Motor City» nous est proposé sur «Concorde in the sunrise». Synthés 80's et violons disco sont convoqués sur le morceau éponyme, tandis qu'une electronica enchanteresse fait son apparition sur «Bikini Atoll». Clin d'oeil pop sur «Apply» (qui reprend étrangement le beat du «Fix Up, Look Sharp» de Dizzee Rascal), electro légèrement plus dark sur «Snows Melt» (avec la participation de la française Lippie), ou clin d'oeil funk avec la reprise d'un classique du genre («The Rain»), l'inventivité demeure au rendez-vous et toute tentative hagiographique se voit rapidemment écartée.

Entre hommage aux pionners de la techno et revival disco, c'est un véritable voyage électronique qui nous est ici proposé.

Cédric B

7/10

Paru le 29/03/10
(Record Makers/Discograph)

Plus d'infos sur le site de Record Makers

Un morceau en écoute dans le lecteur

JENNY WILSON Hardships!

2010-03-29T00:28:00.010+02:00

En 2005, son premier essai solo («Love and Youth») s'était déjà à nos yeux discrètement et élégamment distingué d'une concurrence forcément restreinte, la suédoise évoluant dans un genre plus ou moins inédit. Elle confirme sur ce «Hardships!» une originalité et une personnalité peu commune.

Avant tout, il y a la voix de Jenny Wilson. Alors que plusieurs de ses compatriotes féminines rivalisent au sein de la ligue du jazz vocal, certes très lucrative depuis une dizaine d'années, sa voix quant à elle, classieuse et haut-perchée (assez proche d'ailleurs de celle de Shara Worden de My Brightest Diamond, comme sur «Porcelain Castle»), emprunte les codes de la pop, de la soul voire du hip-hop (dans sa façon de scander les mots sur «The Path»), pour se les ré-approprier entièrement. Délicatement posé dans des écrins groovy, où claquements de doigts, xylophone, piano et claps s'entre-mêlent et se téléscopent joyeusement («Clattering Hooves» et surtout «The Wooden Chair»), son chant accélère, marque des pauses, repart, et sautille pour mieux rebondir («Only Here For The Fight»).
Par instants, son univers pourrait être le cousin scandinave de celui de la française Camille. Disposant de nombreux points communs, ils en possèdent également la même limite : une tournure légèrement trop démonstrative, la suédoise glissant par moments vers une facheuse tendance au mimétisme des tiques propres aux divas américaines, essentiellement sur la fin du disque («Motherhood», «We had Everything» ou «String Of Grass»).

Préférant généralement les sentiers rocailleux et accidentés aux routes trop parfaitement bitumées, Jenny Wilson ne cherche jamais l'efficacité mélodique à tout prix, mais décline gaiement les diverses facettes de son petit monde, au sein duquel elle rayonne. A découvrir sur scène dans le cadre du festival Les Femmes s'en mêlent.

Cédric B

6/10

Sortie prévue le 29/03/10
(Playground/Discograph)

http://jennywilson.net/
http://www.myspace.com/goldmedalrecordings

Jenny Wilson - The Wooden Chair from David Giese on Vimeo.

Deux morceaux en écoute dans le lecteur

LONELADY : photos de concert

2010-03-28T23:38:00.008+02:00

LONELADY (+ TAXI TAXI) @ Trinitaires (Metz, le 27/03/10)

La mancunienne (récente signature du label Warp) se produisait dans le cadre du festival "Les Femmes s'en mêlent", pour un show appliqué mais un peu court (aucun rappel malgré l'insistance du public).

(photos : Seb Grisey)

(merci à l'équipe des Trinitaires)

AUTECHRE Oversteps

2010-03-25T22:48:00.009+01:00

Dixième album du séminal duo de Sheffield (composé de Rob Brown et Sean Booth), véritable pilier d'un label (Warp) qui n'en finit pas de confirmer tout en se ré-inventant. Les anglais qui, faut-il le rappeler, influencèrent très largement le virage électronique d'un certain Thom Yorke et des siens, poursuivent leurs recherches, et continuent de développer un univers qui leur est propre, d'après un language (les titres des morceaux) et des schémas si personnels que quiconque n'est encore réellement parvenu à les décoder.

Il semblerait pourtant que leurs compositions soient devenues légèrement plus accessibles sur ce «Oversteps», si tant est que l'on puisse utiliser ici ce terme . Lorsque «r ess» ouvre sereinement l'album sur une rythmique à contre-temps, «ilanders» voit de son côté une mélodie tenter de se frayer un chemin au milieu d'un climat plutôt hostile, truffé de bleeps rageurs. Sortant indemnes de cette première épreuve, on fait alors connaissance (sans pouvoir s'en remettre) avec le choc de ce disque, «known(1)», effrayant et addictif à la fois. Un titre énigmatique de plus, qui inventerait la musique baroque du XXIème siècle, basée sur des clavecins multidimensionnels. Au coeur de cette cathédrâle électronique, une chaleur organique jaillit d'une structure froide et métallique. Si «pt2ph8» et «see on see», deux ballades en apesanteur, nous évoquent l'imaginaire de Boards Of Canada, «Treale», autre sommet, gambade quant à lui sur des terres presque familières. Modelé sur un beat electro hip-hop quasi identifiable, il devient une balise rassurante. Comme pour mieux contredire nos naïfs espoirs, «see on see» jouera alors le rôle du double maléfique, avec sa rythmique squelettique qui n'a de cesse de fuir et se dérober. Plus loin, les terres redeviennent plus arides («st epreo» ou «redfall»), pendant qu'une bataille de bleeps à l'ancienne fait rage ("qplay" sous le parrainage de Saint Aphex), et que des cloches intergalactiques résonnent («O=0»).

Hostile, insaisissable voire atonale, la musique d'Autechre vit parfois cachée, comme recouverte d'un vernis opaque et austère. Définie comme «intelligente», elle n'est jamais acquise et se mérite, et vaut bien qu'on outrepasse nos confortables habitudes auditives .

Cédric B

7,5/10

Paru le 22/03/10
(Warp/Discograph)

http://www.autechre.ws/
http://www.myspace.com/myslb

A lire également sur:
chroniques-electroniques et playlistsociety

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TURZI : Entretien + photos de concert

2010-03-21T13:14:00.033+01:00

Rencontre avec Romain, le leader du groupe Turzi, avant son concert à Metz, dans le cadre de son projet solo "Turzi Electronic Experience":

Le projet de Sufjan Stevens (qui avait déclaré vouloir faire un album dédié à chacun des 50 états américains) n'a semble t'il pas fait long feu. Ton ambition paraît plus accessible, puisqu'après avoir appelé tes albums «A» puis «B», il ne te reste plus que 24 disques à faire ?

(amusé) Non, c'est pas vrai... A, B, C, c’est une trilogie en fait, on verra après…. L’idée était de faire simple. Le premier album on l’a appelé A comme une lettre de début, un commencement, comme on aurait pu l’appeler 1. Après c’est à force de parler avec des journalistes, on a essayé de trouver un concept autour de la lettre A. La majeure partie de l’album est en «La», et le «La» en notation internationale c’est A donc ça tombait bien. On a appelé les morceaux Animal Signal, Afghanistan, Amadeus, etc… Les journalistes nous disaient d’eux même «alors le prochain album s’appellera B»? Donc on a fait B! Quand on est parti enregistrer l’album, on savait d’instinct qu’on allait faire B. L’idée était alors de trouver un concept autour de ça. On s’est dit qu'on faisait une musique de voyage et qu'on allait ne donner aux morceaux que des noms de villes commençant par B, on trouvait le titre avant même de commencer le morceau. On savait qu’on allait faire Bombay, avec des sonorités un peu indiennes et une violence un peu métal, au même titre que Brasillia, morceau très architectural électronique pur…enfin ça se faisait comme ça. Après, pour le troisième album, C, on verra. Moi je pense recentrer tout ça vers la France et les fromages, le Camenbert, le Cousteron, le Coulomier, le Chavroux…

C’est pour quand le troisième album ?

Je n'en sais rien, pour l’instant je travaille à un album de musique électronique, un peu comme ce que je vais faire ce soir, je travaille à mon rythme. Pour l’enregistrement de A, on avait déjà des morceaux, qu’on jouait depuis deux ans et qui ont été enregistrés tel quel quand on est entré en studio, en une semaine c’était plié et ils n'ont ensuite cessé d’évoluer lorsqu’on les jouait. Pour B c’était l’inverse. On a enregistré l’album alors qu’on n'avait aucun morceau, on a d'abord fait des morceaux et ensuite on les a ré-interprété sur scène, donc ils ont une gueule un peu nouvelle par rapport à l’album. J’aime bien cette notion de répétition, parce que c’est dans la répétition que doit se faire l’aliénation, mais je n’aime pas la reproduction fidèle sur scène des morceaux d’albums, je trouve qu’ils doivent pouvoir s’adapter, ils sont flexibles autant que nous pouvons l’être.

Tu aimes le renouvellement dans le processus créatif?

Oui, absolument, et l’espèce d’urgence, l’inattendu. Ce qui est intéressant, c’est de se laisser surprendre, en plein concert le bassiste peut changer une note, ce qui tout à coup va amener le morceau vers tout à fait autre chose, et c’est là qu‘est l’intérêt de jouer en groupe aussi.

Les références à la religion sont omniprésentes dans tes titres, as-tu des comptes à régler avec la religion, ou trouves-tu simplement que ça sonne bien ?

C’est vrai pour l’album A mais pas pour B. J’aime bien le côté déviant du rock’n'roll, Black Sabbath c’est la messe noire (des cloches retentissent à cet instant précis...), chez les Stooges, Led Zep, il y a un côté religieux mais c'est justement l’inverse… J’ai grandi à Versailles en face d’une église, j’ai été en pension chez les cathos, ça ressemblait d’ailleurs un peu à ce lieu (nous sommes dans le cloitre des Trinitaires), mine de rien ça fait partie de moi. Je ne pratique pas du tout par contre, ou juste un peu à Pâques…

Tu crois?

Je n’en sais rien. Je crois en tout cas à la musique spirituelle, au côté chamanique de la musique, son côté envoutant, la procession, le concert… Il y a un point commun évident, qui m’amuse d'ailleurs. Le fait de le prendre d’un point de vue un peu déviant, et qu'il y ait le « Notre Père » dans le premier album, si tu écoutes bien les paroles je ne les connais pas, je l’ai mal fait. Ensuite j’ai essayé de ré-enregistrer cette voix mais c’était toujours moins bien que la première, qui était complètement instinctive. L’histoire de ce morceau-là, c’est un truc que j’ai fait en deux heures, je me suis dit tiens on va mettre des voix un peu psalmodiées, à la Brigitte Fontaine, un truc qui coule. Immédiatement le premier truc qui est venu en tête c’était ça, donc je l’ai mis et on l’a gardé tel quel. Après on n'est pas fanatiques, on a plusieurs religions au sein du groupe. J’aime aussi le côté religieux dans la musique indienne par exemple.

Tu parlais du fait que tu viennes de Versailles. Ta musique est très éloignée de celles de Air ou Phoenix, plus pop, néanmoins est-ce qu’on peut aujourd'hui parler de Versailles comme du Brooklyn français?

Je vais dire oui et non. Je ne peux pas dire oui parce qu’à Brooklyn il n’y a que des petits bourgeois, des fils à papa qui viennent pour faire leur études et qui se prennent pour des artistes parce qu’ils sont à Brooklyn. Ce qui pourrait nous correspondre c’est que Versailles c’est un cadre très particulier, une ville très jolie, avec son château, une ville chargée d’histoire, où il n’y a pas de pauvreté apparente, et avec un rapport à l’art un peu particulier. Mes parents étaient très contents quand j’ai eu une guitare électrique et que j’ai commencé à faire de la musique, ils m’ont encouragé, même si l'on n'avait pas de musiciens dans la famille. Et il y a ce côté banlieue, où tu es un peu loin de tout, près de Paris mais sans y être, où l'on n'est pas au cœur de l’action. Là tu te retrouves un petit peu isolé, et se forment des espèces de «gangs», des groupes de potes comme ça se fait partout. Un truc fort, très soudé et propice à la création de groupes de musique. A Versailles moi j’habitais dans un appartement mais la plupart de mes potes avaient des maisons, des petits pavillons à la con, très ricains pour le coup avec des garages et on pouvait répéter, donc facilité. Les gars de Air sont plus âgés que moi et on ne s’est jamais vraiment rencontrés. Cela dit un des mecs prenait des cours de piano dans le même immeuble où j'en ai pris étant gamin. Il y a une école de musique à Versailles, l’école Lully, où tu peux faire musique-étude comme tu peux faire sport-étude dans d’autres villes, et le mec de Air vient de là. Il a donc cette éducation classique qu’il a réussi à faire sonner comme une musique actuelle, et tout ce bagage est intéressant. Phoenix, j’ai fait du skate avec eux quand j’avais 10 ans et on a fait quelques soirées ensemble. Ils sont aussi un peu plus âgés, mais c’est aussi un vrai groupe de potes qui jouent ensemble depuis longtemps, qui ont vécu ensuite ensemble dans des apparts à Paris et je trouve ça très bien. Mine de rien, pour mon groupe c’est pareil, ce sont mes plus vieux potes, on ne fait pas la même musique que Air ni Phoenix mais il y a un soucis de l’esthétisme qui pourrait être le point commun entre nos musiques respectives. Mes influences sont différentes, on ne touche pas les mêmes gens et on n'a pas le même discours autour de la musique, mais je les respecte beaucoup et je suis assez content car lorsque Phoenix a ressorti «Wolfgang Amadeus Phoenix» accompagné d’un disque de remixes ils m’ont demandé de remixer un de leurs titres. Une fois on jouait aux Etats-Unis, ils jouaient dans la même ville que nous et ils sont venus nous voir jouer, on a passé la soirée ensemble, c’était super.

Donc on peut parler de racine commune?

Oui car je ne renie pas du tout Versailles, même si on passe pour des petits bourgeois cathos et que je sais très bien que ça n’était pas ce que j'étais. Versailles est en fait surtout le lieu qui m’a permis de rencontrer mes potes.

Le succès actuel de Phoenix a t'il un impact sur la «scène» de Versailles?

Moi je l’ai vécu comme une fierté. Quand Air est sorti, il y a 10 ans, j’étais revenu de pension et je faisais mes études à Versailles, j’ai trouvé ça super encourageant. Ces mecs-là sont de ma rue. Je sais où il a prenaient des cours de piano, je sais où il étaient au lycée, le grand frère de mes potes les connaît, etc… On avait eu l’album 3 ou 4 mois avant sa sortie, on avait eu le temps de l’écouter, de l’analyser, et c’était une super motivation. Je ne dis pas que ça a été un point de départ parce que je viens d’une autre musique que ça, plutôt de la musique dissonnante, Sonic Youth, My Bloody Valentine, mais c’était super encourageant de se dire qu'il y avait des p’tits gars de notre rue qui avaient réussi à percer, à faire quelque chose d’original (est-ce que c’est vraiment original Air d’ailleurs..?) En tout cas ce fut une vraie motivation. Air m'a clairement donné envie de découvrir le synthétiseur. D'ailleurs ce soir je ferai exclusivement du synthétiseur alors que je viens de la guitare. Ca nous a ouvert des voies, et de rencontrer le label Record Makers, que Air avait fondé pour sortir la B.O. de Virgin Suicides. En fait, l’érudition ou l’ouverture d’esprit que j’ai pu avoir, le fait de me mettre dans tel courant musical et de choisir telles références pour les placer en maître absolu a fait qu’on a pris des orientations qui n'étaient pas forcément les mêmes que tout le monde. J'avoue que la pop ne m’a jamais intéressé, les Beatles, etc… Aujourd'hui je m’y ouvre un peu plus, peut-être parce que j’ai 30 ans et que j’ai un enfant (rires), mais avant il n’en était pas question, c’était le diable personnifié. On a fait notre petit parcours comme ça en créant nos propres règles et en faisant notre propre musique, et on a rencontré les bonnes personnes lorsque l'on était à Paris.

Pour rester sur le thème des influences, de nombreux artistes revendiquent aujourd'hui en France leurs influences Krautrock (Joakim, Etienne Jaumet à travers son projet Zombie Zombie ou Electric Electric). As-tu des affinités avec ces musiciens? Et peut-on parler de "scène"?

Une scène je ne sais pas, mais pour nous le Krautrock été un deuxième point de départ. Je me rends compte qu’au moment où tout le monde s’est mis à faire de la musique sur ordinateur avec le home studio, et même si on écoutait du jazz et de la musique black, ce n’est pas ça qui m’a donné envie de faire de la musique sur ordinateur. Les premiers trucs que j’ai samplé ce n’était pas Isaac Hayes mais plutôt Can, parce qu’il y avait des moments ou la rythmique était isolée, et que venant du rock je trouvais plus intéressant d’aller le sampler en faisant une petite basse derrière et en arrivant assez rapidement à un résultat qui me satisfaisait. Tout ça en do it yourself total, la guitare branché direct sur l’ordinateur, avec le moins de production possible et le plus d’instinct et d'immédiateté, ce qu'on retrouve beaucoup dans le Krautrock. C’est une musique un peu faite d’improvisation, qui ne se soucie peu des codes en général mais qui axe tout sur une idée de voyage. Tu peux te laisser imbiber par ce truc et te retrouver dans un état de quasi-transe. C'est ça qui m’a toujours plu dans le Krautrock, sur lequel je suis un peu tombé par hasard, à un moment où l'on n'était pas nombreux à en écouter. A la vingtaine, peu de gens de notre âge disaient «Can, Neu, c'est génial!». Maintenant ça fait 10 ans que j’ai l’impression de le connaître, il y a plein de trucs qui sont catalogués «Kraut» et qui pour moi ne le sont pas. Finalement ça devient aujourd'hui un espèce de gros fourre-tout, mais ça a été un point de départ, en tout cas ça m’a encouragé au moment où tout le monde faisait du trip-hop chez soi, où tout le monde avait lâché le rock alors qu’on en venait tous, c’était le truc qui a permis de s’y remettre, d’intégrer la guitare électrique qu’on avait quand on avait 14 ans et de faire le lien avec tout ça, et même avec le jazz et donc l’improvisation. Etienne Jaumet, on se voit tous les jours, on a des studios l’un en face de l’autre. Avec Zombie Zombie on est très proche musicalement, d'ailleurs j’ai joué sur leur album on les invite régulièrement à faire des concerts avec nous ou l’inverse. Là on peut vraiment parler de famille. Joakim et Zombie Zombie se connaissent très bien mais je ne l’ai jamais encore rencontré. Quand nos albums sont sortis en même temps, on nous a rapidemment catalogués tous les trois, mais j’ai envie de dire que notre réelle famille avec Arthur (bassiste de Turzi) c’est le label qu’on a monté ensemble, Pan European Recordings. Et là pour le coup c’est en priorité une histoire de potes, de famille musicale et d’appartenance. Avec Turzi on n'est pas arrivé les premiers avec ce discours mais presque, la presse a suivi, les ventes d’albums non mais ça c’est un autre problème... Ensuite on a crée ce label en voyant ce qu'il y avait juste à côté de nous. On a deux ans d’existence, on fait plein de concerts et ça a redonné envie à nos potes de faire de la musique, ils ont remonté des groupes qu'on peut sortir sur le label. On regarde ce qu’il font, eux aussi, on se donne des conseils et on évolue ensemble. Donc on est revenu à ce truc de nos 15 ans avec des groupes partout et c’est génial. Et tant pis pour les groupes qu’on ne connaît pas et qui veulent signer chez Pan European, car il faut que ça nous parle, qu’on se comprenne et puis on ne va pas faire quinze groupes de Krautrock, on ne veut pas non plus se répéter. On veut évoluer, proposer quelque chose d’original et le maitre mot de tout Pan European c’est la première compilation qu’on assorti et qui s’appelle Voyage. il y a dessus Aqua Nebula Oscillator, des espèces de freaks hyper cool, le mec vit dans une cave depuis quinze ans, il a bientôt 40 ans et vit complètement son art, il est authentique. Dans notre label, l’authenticité des mecs est même plus importante que le voyage.

Votre label (Pan European Recording) est donc à la fois défricheur et exigeant. La dernière sortie (l'excellent disque de Koudlam) est-elle celle qui a connu le plus de succès à ce jour?

Oui, clairement car elle ouvre vraiment vers autre chose, et c'est l'artiste du label qui a les influences les plus variées et les plus originales, cela fédère des gens d'horizons différents et c'est une satisfaction énorme et un beau résultat pour nous. Koudlam est un mec qui vient de Grenoble, on l'a rencontré il y quatre ans lors d'un concert et on s'est compris. Il était seul avec son laptop, avec des sons considérés à l'époque comme ringards (synthés 80's, flûte de pan...), il foutait un coup de pied dans l'establishment et croyait à son truc. C'est lui qui nous a donné envie de créer le label avec les autres groupes, ça a été le déclencheur.

Le morceau «Buenos Aires» peut faire penser par moments à du Jean-Michel Jarre. C'est un clin d'oeil volontaire?

Peut-être le côté esthétique versaillais. Je l'ai vu quand j'avais dix ans, mais ça n'a jamais été trop mon truc. La musique électronique, je l'ai découverte avec Air. Alors même s'il fait des plans «pompiers», il a un soucis de l'esthétisme que j'aime bien. Il a une super carrière et ses disques ont bien vieillit. On a fait des tournées avec Tim Blake (clavier de Gong), qui est un des premiers à avoir fait seul des concerts de musiques électroniques avec des lasers, etc... On a fait un petit bout de chemin ensemble, j'ai hérité de ses synthés et je suis assez fasciné par ces mecs seuls avec des synthés dans les 70's. C'est casse-gueule, il y a plein d'erreurs (d'ailleurs ce soir je vais en faire). Je trouve ça honnête vis-à-vis des gens, il y a de l'imprévu et c'est ça qui est intéressant. J'ai pu rencontrer Jarre il y a deux ans quand il a rejoué avec les synthés d'époque. Notre génération n'a pas connu ça, à part avec Air. Des concerts de musique synthétique avec des vrais synthés, comme ceux de Tangerine Dream ou Klaus Schulze, on voit tout de suite la différence. Les laptop, ça n'est pas la même démarche artistique ni la même mise en danger. Il y a quelque chose d'humain. D'où mon envie de m'émanciper, de faire plus régulièrement des concerts seul (sous le nom de Turzi Electronic Experience ?). Le rock de Turzi est plus influencé par la musique électronique que par le couplet/refrain, et dans mon approche de la musique électronique il y a ces synthés stridents, ce côté rock. La musique de Turzi peut prendre différentes formes, d'après nos personnalités. Chaque machine va m'inspirer des choses nouvelles et différentes, et on renouvelle d'ailleurs assez souvent le stock de matériel. Tout est fait de rencontres.

Il y a un côté très cinématographique dans ta musique. Quel film choisirais-tu pour en refaire la musique?

Ce côté-là, c'est parfaitement ce que je recherche. Pour le film, on a déjà fait «Metropolis» à six sur scène, c'était une commande pour un festival. J'ai de grosses lacunes en cinéma, j'oublie tout mais je me souviens des BO. Il existe un enregistrement de cette soirée, mais de mauvaise qualité. Sinon à cause de problèmes de droits, on a joué au Point Ephémère la BO mais sans diffusion du film. L'exercice est super, en revanche c'est du travail et on était six à le faire. Pour les autres films, personnellement je suis fan de Morricone, c'est le maestro tout genre musicaux confondus. Peut-être «Koyaanisqatsi», où l'image est au service de la musique de Philip Glass, que j'aime beaucoup, tout comme Steve Reich. Les musiques de films m'influencent tout autant que les albums «normaux». Ce que je recherche dans la musique c'est la destruction, le paysage, l'ambiance. Des gens peuvent s'imaginer des films en écoutant notre musique. En ce moment, je travaille aussi sur une BO, celle du prochain film de Nicolas Klotz («La question humaine»), avec son fils d'ailleurs.

(Entretien : Seb Grisey et Cédric B)

Turzi Electronic Experience, pour une performance en solo aux Trinitaires (Metz, le 19/03/10)

( Polaroid et photos concert : Seb Grisey )

(merci à toute l'équipe des Trinitaires)

Le remix de "Love like A Sunset" par Turzi en écoute dans le lecteur

JIL IS LUCKY : Photos de concert

2010-03-21T13:13:00.011+01:00

JIL IS LUCKY @ L'Emile vache (Metz, le 18/03/10)

Quelques photos du passage à Metz de Jil Is Lucky, qui interpréta avec son groupe les morceaux de son album, dans une atmosphère intimiste et chaleureuse.

( Photos concert: Seb Grisey )

http://www.myspace.com/jilislucky

La chronique de l'album à lire ici

OWEN PALLETT + MONO : Photos de concert

2010-03-21T13:12:00.022+01:00

OWEN PALLETT @ Trinitaires (Metz, le 20/03/10)

Le virtuose canadien, insolent de classe et de maîtrise dans son costume d'homme-orchestre, épaulé aux choeurs et à la batterie, transposant sur scène l'univers fantasmagorique de son dernier disque, le grandiose Heartland

( Photos: Seb Grisey )

http://www.owenpalletteternal.com/
http://www.myspace.com/owenpallettmusic

MONO @ Trinitaires (Metz, le 20/03/10)

Le post-rock épique des japonais de Mono, entre accalmies humectées d'une douce mélancolie et orages électriques aux saillies incandescentes, réussit l'exploit de hisser haut l'étendart de leur néo-romantisme sans jamais le laisser sombrer dans la mièvrerie.

( Photos: Seb Grisey )

http://www.myspace.com/monojp

L'homérique "Ashes in the Snow" (extrait de "Hymn to the Immortal Wind") en écoute dans le lecteur

(Merci à toute l'équipe des Trinitaires)

JIL IS LUCKY S/t (2009)

2010-03-17T23:43:00.009+01:00

Il y a quasiment un an jour pour jour sortait le premier album de Jil Is Lucky, dans une relative discretion faut-il l'avouer. Heureusement, la fée (ou sorcière) publicité s'en est depuis mêlée, et le groupe bénéficie aujourd'hui d'un éclairage accru (après celui lié au concours CQFD des Inrocks) et amplement mérité. Bien que criarde et kitchissime au possible, ce n'est pas la pochette du disque qui m'a alors attiré (des religieux déguisés pour l'occasion en gang de Bioman, et Jil au milieu), mais bel et bien l'univers musical pour le moins bariolé du groupe.

A l'origine de ce projet se trouve Jil Bensénior, un jeune auteur-compositeur-interprète français. Tombé dès le plus jeune âge dans la marmite musicale, il rencontre les futurs membres qui composeront Jil Is Lucky (dont fait parti son frère Bensé) au détour de ses nombreux voyages (Prague, New-York, Berlin ou Sidi-Bel-Abbès). Glanées au gré de ces derniers, ces influences multiples (sud-américaines à la sauce mariachi sur «J.E.S.U.S. Said» ou slaves et klezmeres sur «Judah Loew's mistake») colorent et nourissent ce folk éclatant de sincérité, cousin païen de celui plus austère d'Herman Düne. Et si la religion constitue ici un thème central, c'est pour mieux tourner en dérision les codes et dogmes qui la régule.
Temps fort du disque, «The Wanderer» est un morceau imparable, festif et mélancolique à la fois, qui a été choisi par la marque Kenzo pour illustrer sa campagne publicitaire (après CocoRosie il y a quelques années). Plus loin, c'est lorsque Jil tombe le masque, seul (ou presque) avec sa guitare et son folk nu, qu'il touche en plein coeur. « Without You » arracherait à coup sûr des larmes aux plus coriaces des mafieux russes.

Simple outsider au départ, ce disque fut au final un de ceux m'ayant le plus accompagné l'an dernier, et il continue d'ailleurs à le faire. Certains rabat-joie tenteront certainement de plomber cette déclaration d'humanisme, véritable hymne à l'amour et à l'ouverture. Cela ne nous empechera pas de continuer à écouter Jil Is Lucky, et à célébrer sur scène ce groupe, justement en tournée française jusqu'à l'été.

Cédric B

8/10

Paru le 17/03/09
(EMI)

http://www.myspace.com/jilislucky

Un autre morceau en écoute dans le lecteur
(il s'agit en réalité de "Judah Loew's mistake")

SMOOTH The Parade

2010-03-15T22:54:00.006+01:00

Pour ce troisième album, le trio nantais a choisi de troquer ses tenues décontractées pour des costumes trois pièces aux couleurs sombres. Leurs sympathiques comptines electro-soul (que l'on qualifiait il y a quelques années de trip-hop) ont en effet muté en véritables chansons, orchestrées et mélodiques, leur faisant assumer fièrement une mélancolie qui leur sied d'ailleurs à ravir.

«Friendly Yours», jolie ritournelle faussement innocente, inaugure cette «Parade», illustrant d'emblée cette mue que l'on n'hésitera pas longtemps à qualifier de maturité.
Bien que construit d'après une logique différente, ce nouvel album n'est pas éloigné dans l'esprit des classieuses «Fitzcarraldo Sessions» sorties il y a quelques mois, la liste des invités étant ici plus réduite. Les deux projets ont en commun la présence au casting de l'un de nos artistes hexagonaux les plus talentueux, Dominique A, présent sur «I Know», où, fait plus rare, le Nantais place sa magnifique voix chevrotante transposée pour l'occasion dans la langue de Shakespeare.
«The Smooth Parade», tout comme «Freedom Is A Road», renouent avec des climats plus orientés trip-hop, le premier se distinguant de par l'attrait mélodique de son refrain. A l'instar également de celui de «Another Life», hymne à l'évasion et aux nouveaux départs.
Le chanteur du groupe, David Darricarrère, qui prend ici une envergure inédite, affirme sa voix, tantôt caressante mais sachant tout aussi bien se faire rauque et râpeuse, nous entrainant alors dans des ambiances enfumées de cabaret jazz, à mi-chemin entre le crooner urbain («My Body») et le dandy soul («I'll Be Your Animal»). La boucle de piano se fait accrocheuse sur «Heart Beast», et l'on adhère volontiers à l'atmosphère envoûtante de «Music», avec une certaine Amélie (à la voix étrangement proche de celle de Bianca Cassidy des CocoRosie).
On fera par contre l'impasse sur un «She's Coming Back» trop inspiré Moby tendance fin 90's.

Plus qu'une parade, ce disque serait de préférence une invitation amicale à pousser un épais rideau rouge de velours pour voir ce qui se trame derrière, faisant fi de l'opaque nuage de fumée qui occupe l'espace, afin de découvrir l'univers attachant et en pleine évolution de ces dandy frenchy aux influences anglo-saxonnes non dissimulées.

Cédric B

7/10

Paru le 15/02/10
(Discograph)

http://www.smooth.fr/
http://www.myspace.com/smoothmusique

CROOKERS Tons Of Friends

2010-03-14T18:59:00.006+01:00

Porté depuis des mois par la hype, le duo de remixeurs et producteurs italien (composé de Francesco Barbaglia et d'Andrea Fratangelo), chefs de file de la nouvelle vague electro transalpine (avec The Bloody Beetroots), a sorti cette semaine un premier album au casting hollywoodien.

D'album, ce projet ne possède en réalité que le format, tant il manque de cohésion et se définit plutôt par une succession de titres, truffée certes de collaborations prestigieuses, dont certains se trouvaient déjà sur d'autres morceaux qu'ils ont co-produit («Jump Up» avec Major Lazer ou «Embrace The Martian» avec Kid Cudi). Issus à l'origine tous deux de la sphère hip-hop, le tandem a su se créer un impressionnant réseau au sein de ce milieu, et surtout à faire connaître leur nom et montrer l'étendue de leur talent à travers des dizaines de remixes (dont le plus célèbre demeure celui de «Day 'N' Nite» pour Kid Cudi). Adulés des kids et voulant certainement se hisser à la hauteur de leur réputation grandissante, ils ont donc logiquement convié tous leurs potes et tiennent à le faire savoir, au point d'en baptiser leur album («Tons of Friends»). Démarche symptômatique de la génération 2.0 ou mégalomanie assumée, le résultat rend plus que perplexe, nous laissant le choix entre embarras et déception.

Pourtant, les festivités s'annonçaient sous de bons augures, les frangins de Soulwax contribuant à ouvrir le bal de la meilleure manière qui soit avec un «We Love Animals» tubesque, portant incontestablement la griffe imparable des belges. S'enchaine un sympathique hybride electro-r'n'b à la sauce Basement Jaxx ("No Security"), avec la tigresse Kelis aux manettes.
Puis la machine s'enraye, les compères tirant la plupart du temps à blanc ("Natural Born Hustler"), et ce à quelques exceptions près ("Hip Hop Changed" avec Rye Rye ou les deux titres avec Roisin Murphy de Moloko). Ambiance dancehall cloué au sol ("Arena"), coup d'épée dans l'eau aux torts partagés avec Spank Rock ("Park The Truck") et vaine tentative d'imitation du style pourtant unique de M.I.A. sur "Birthday Bash". On touche par ailleurs tout simplement le fond sur "Put Your Hands On Me" ou "Have Mercy".

Un casting luxuriant n'est donc en aucun cas gage de réussite artistique, et ce disque en apporte la preuve évidente. A trop remplir leur marmite d'ingrédients, à vouloir saupoudrer frénétiquement leurs plats de diverses espèces de sirènes et autres klaxons, la cuisine des Crookers en devient vite indigeste. Ajoutez à cela une facheuse tendance à glisser vers une dance-music criarde tendance hooligan, ce "Tons of Friends" se révèle rapidemment épuisant. Beaucoup de bruits pour pas grand chose.

Cédric B

4/10

Paru le 08/03/10
(Wagram)

http://www.crookers.net/
http://www.myspace.com/crookers

Un morceau en écoute dans le lecteur

CHAPELIER FOU : Interview + photos de concert

2010-03-09T16:47:00.035+01:00

Beaucoup de choses positives te sont arrivées ces dernières années. Tu gères tout ça avec une certaine sérénité j'ai l'impression?

Oui et non, enfin plutôt non. C'est sur que tout artiste a envie d'être connu, d'être attendu, d'être apprécié. J'ai peut être l'air de gérer ça bien, mais en fin de compte, je ressens une réelle pression. Il y a un vrai décalage entre mon état d'esprit et l'attente des gens. Je veux dire par là que j'ai toujours fait ce que je fais, et pour moi, faire de la musique, c'est une chose naturelle, un artisanat. En quelque sorte, je ne fais que proposer quelque chose. C'est pour cela que le fait d'avoir le sentiment d'être jugé sur ce que je fait me gène. Ceci dit, je n'ai pas encore souffert de mauvaises critiques, je dois donc être absolument paranoïaque.
Je dois maintenant faire l'effort de rester naturel, ce qui est une démarche très paradoxale...

N'y voit absolument rien de péjoratif, mais tu me fais parfois penser à un enfant au milieu de tonnes de jouets ludiques, et que rien ne pourrait perturber. Il y a dans ton univers musical une part de mélancolie et d'insouciance liée à l'enfance n'est-ce pas?

Ma musique est très ambiguë : d'un coté c'est vrai, je vois la création et le jeu comme quelque chose de très ludique. En effet, je passe beaucoup de temps à expérimenter, à créer des structures bizarres sur mon ordinateur, à essayer de jouer de nouveaux instruments, appuyer sur plein de boutons, etc. Cependant mes morceaux ont une vraie prétention de composition. En fait tout ça est très sérieux... J'aime me dire que mes morceaux ont une apparence, un vernis agréable bâtie sur une structure complexe mais souvent invisible. Mon idéal serait d'arriver à faire de la musique sérielle d'ascenseur.

Le projet hommage « This Immortail Coil » t'a permis de collaborer avec différents artistes confirmés. Les affinités ont-elles été immédiate?

On ne peut pas parler d'affinités avec les artistes. Je ne veux pas dire que je ne les apprécie pas, mais simplement que l'affinité n'est pas rentrée en compte dans le processus de création de ce disque. Je ne sais pas comment cela s'est passé pour les autres, mais pour ma part, en ce qui concerne le morceau sur lequel j'ai travaillé, "the dark age of love", je l'ai fait sans voir personne. Ca c'est passé comme ça : j'ai eu la trame du morceau, réalisé par les DAAU, avec Christine Ott aux ondes Martenot. La version n'était vraiment pas top au départ et surtout la tonalité ne convenait pas à Yaël . On m'a envoyé les pistes, et j'ai tout viré, sauf la contrebasse et l'accordéon. En gros j'ai bossé comme quand je bosse pour un remix. Ensuite Christine est venu réenregistrer des ondes à la maison. Puis le morceau est parti chez Yaël, elle a enregistré sa voix et fait jouer David Donatien à la batterie. J'ai découvert le morceau après tout ça. Yaël, je l'ai rencontrée ensuite et on a même joué ce morceau en live sur Nova, sans répéter, avec Matt Elliott en plus. C'est une super musicienne. Son seul défaut, c'est qu'elle ne boit pas d'absinthe.

J'avais cru comprendre un moment qu'il était question de sortir un troisième maxi, le tout formant une trilogie. L'album est finalement devenu la priorité ou l'idée n'est-elle pas abandonnée?

Non, l'idée n'est pas abandonnée ! Pourquoi faire les choses dans l'ordre ? Ca viendra quand ça viendra, et un jour la prophétie s'accomplira, comme dans Indiana Jones et le temple maudit, quand les pierres magiques sont enfin réunies. Je pense qu'on fera alors un coffret luxueux et une grande fête païenne.

Tu as encore beaucoup de morceaux sous le coude? Tu ne risques pas vraiment la panne d'inspiration à priori..?

J'ai confiance en moi, il n'y a pas de raison que ça s'arrête. Et puis honnêtement, j'ai fait tellement de morceaux quand j'étais au lycée que je pourrais au pire redonner vie à certaines pièces enfouies dans mes disques durs poussiéreux. J'étais vraiment un mec cool à l'époque. En plus, même en ce moment, je n'arrive pas à m'empêcher de faire des bébés morceaux. D'après mes statistiques, 12% d'entre eux deviendront grands.

(propos recueillis par Cédric B)

CHAPELIER FOU aux Trinitaires (Metz, 04/03/10)

Pour la première date de sa tournée (plus de détails ici), le Chapelier Fou jouait à domicile.
Une salle comble et un public acquis à sa cause, pour un sans faute d'une heure et demie.

(Portrait et photos concert Seb Grisey)

(Merci à toute l'équipe des Trinitaires)

A lire également ici la chronique de l'album du Chapelier Fou

CHAPELIER FOU 613

2010-03-08T23:00:00.011+01:00

Ce jeune violonniste et multi-instrumentiste (piano, guitare, violoncelle...) connu sous le nom de Chapelier Fou (et signé sur le label Ici d'ailleurs) confirme sur son premier album les deux maxis plus que prometteurs parus l'an dernier («Darling, darling, darling» et «Scandale»). A seulement 26 ans, déjà révélation du Printemps de Bourges en 2008 et des Eurockéennes en 2009, le lorrain qui a déjà ouvert pour Camille ou Wax Tailor, a aussi récemment collaboré avec Yann Tiersen et Yael Naim (sur le projet hommage «This Immortal Coil»).

«613» comme le nombre exact et invariable de graines que l'on trouve dans une grenade, fruit à partir duquel il serait bien sûr très tentant de décliner toute une batterie de jeux de mots. Et pourquoi pas 613 comme le nombre de morceaux que ce stakhanoviste des machines pourrait bien cacher sous son chapeau, tant il paraît productif ces derniers mois. Mi homme-orchestre mi bricoleur de génie, il joue et met en boucle ses différents instruments en direct sur scène avec une précision d'orfèvre.
Le premier morceau de l'album, «G Tintinnabulum», dessine une belle introduction au monde fantasmagorique de l'artiste, dont le violon constitue bien sûr le fil conducteur de l'oeuvre. Piano et bleeps l'accompagnent sur le superbe «Les métamorphoses du vide», tandis qu'il lui fait subir de douces tortures sur «Luggage». Placé au coeur d'«Hémisphère Ouest», un morceau élaboré et tout en progression, le violon se fait virevoltant sur «Secret Handshake», lui conférant alors une véritable dimension orchestrale.
Plus loin, une electronica ludique se transforme en cavalcade («Les prières à Complies»), tandis qu'un écrin délicat accueille le chant dark folk de Matt Elliott (connu d'abord sous le nom de Third Eye Foundation). Enfin, l'onirique «Entendre la forêt qui pousse», qui aurait tout aussi bien pu illustrer une des scènes de l'«Avatar» de James Cameron, ponctue ce conte musical, nous laissant comme une curieuse sensation de rêve éveillé.

Ce virtuose passé par le conservatoire a donc décidé de ne pas choisir entre musiques classiques et électroniques, pour réinventer à sa guise un univers personnel, pas si éloigné de ceux d'un Owen Pallett ou d'un Amon Tobin (pour l'aspect cinématographique). Et à la différence du personnage de Lewis Carroll (auquel il a emprunté son pseudo), on doute fort qu'il se laisse gagner par une folie quelconque, quitte à se débarasser de son couvre-chef si nécessaire...

Cédric B
(photo: Seb Grisey)

(Pas de note dans un soucis d'objectivité)

Sortie prévue le 15/03/10
(Ici d'ailleurs/Discograph)

http://www.chapelierfou.com/
http://www.myspace.com/chapelierfou

A lire ici une interview du Chapelier Fou,
et des photos de la première date de sa tournée

GORILLAZ Plastic Beach

2010-03-06T17:50:00.007+01:00

Le troisième volet de la saga Gorillaz débarque, avec un capitaine Albarn et ses compères mieux entourés que jamais, puisqu'une pléiade d'invités aux noms prestigieux leur a rendu visite sur leur île secrète flottant aux confins du Pacifique Sud. Celle-ci est à prioris constituée à partir de déchets et autres détritus humains (Wall-E ?) traduisant bien au passage l'engagement politique et écologique de son leader, sous des airs de projet ludique et divertissant. A l'origine il y a donc ce super-groupe cartoonesque, à l'univers visuel si particulier, fédérateur au possible, mais qui transpire désormais d'une ouverture musicale et d'un état d'esprit identique à celui du londonien, et ce depuis ses nombreux voyages et projets plus orientés world.

La visite débute avec un guide touristique peu commun, à savoir le californien Snoop Dogg. «Welcome to the World of the Plastic Beach» est une mise en bouche funky et vocodée, prétexte à jouer sur la prononciation d'un mot lui étant plus que familier. On passe à la vitesse supérieure sur «White Flag», titre qui pourrait symboliser la dévise du chevalier Albarn (à l'image du somptueux «Out of Time» culminant sur «Think Tank»). Deux poids lourds de la scène grime UK s'y affrontent dans la bonne humeur sur un ring paré de couleurs orientales, le tout orchestré par The Lebanese National Orchestra. «Rhinestone Eyes» est, avec «Broken», une des belles réussites sur lesquelles le chanteur de Blur opère seul aux manettes, la garde baissée et tout en optant pour ce ton désenchanté qui lui correspond désormais à merveille. Les deux autres titres en question («On Melancholy Hill» et l'outro «Pirate Jet») se révélant par contre un cran nettement inférieurs. «Stylo», le premier et excellent extrait de ce «Plastic Beach» voit deux étoiles de la musique noire américaine d'hier et d'aujourd'hui (Bobby Womack et Mos Def) s'y distinguer, complétant avec classe et style le timbre mélancolique de Damon Albarn.

Dès lors, et à l'exception de «Empire Ants» (avec les Little Dragon) conçu en deux parties et avec des synthés très 80's, et du très digne «Cloud Of Unknowing» (avec Bobby Womack), s'enchainent des morceaux plus faibles voir carrément décevant.
En tête de liste, une mauvaise farce puérile («Superfast Jellyfish») impliquant les vétérans de De La Soul et le chanteur de Super Furry Animals (Gruff Rhys), mais aussi l'intriguant puis rapidemment irritant «Glitter Freeze» (avec Mark E. Smith de The Fall). Côté déceptions, comment ne pas évoquer les retrouvailles avortées de deux légendes du Clash (Mike Jones et Paul Simonon) sur l'insipide morceau portant le titre de l'album. Ou la gêne occasionnée à l'écoute de «Some Kind Of Nature», proposition indigne faite à Lou Reed.

Ce «Plastic Beach» ne convainc donc que partiellement, ne se révélant pas tout à fait à la hauteur de ses ambitions, car se diluant parfois à trop s'éparpiller. Le capital sympathie ne s'en trouve pas trop diminué si toutefois l'on s'en tient à envisager le projet Gorillaz comme une simple récréation, ce qui n'est pas forcément une évidence connaissant le professionnalisme de Damon Albarn et au vue de la prestigieuse liste de convives.

Cédric B

6/10

Sortie prévue le 08/03/10
(EMI)

http://www.gorillaz.fr/
http://www.myspace.com/gorillaz

A lire aussi sur goodkarma et sur playlistsociety

Gorillaz - Stylo
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3 morceaux à écouter dans le lecteur

GONJASUFI A Sufi and a Killer

2010-03-04T09:48:00.006+01:00

La politique de l'ouverture est une pratique en vogue du côté des labels anglais. Warp fut d'ailleurs un des précurseurs en la matière, lançant en 2001 une branche electro hip-hop pourtant aujourd'hui quelque peu en sommeil (Lex Records). Mais c'est sur d'autres terres que ce mythique label va désormais chasser, notamment celles des musiques tribales (Gang Gang Dance) et ethniques. Ils ont peut-être à ce sujet trouvé la perle rare en la personne de l'américain Gonjasufi, leur dernière signature.

Derrière ce pseudo mystérieux et exotique se cache Sumach Ecks, un rasta lunaire, croisement improbable entre Devendra Banhart, le moine Raspoutine et le fantôme de Ol' Dirty Bastard. C'est Steve Ellison (aka Flying Lotus) qui est allé le chercher dans sa caravane perdue au milieu du désert Mojave dans l'état du Nevada, là où il vit, pour le ramener à Los Angeles et produire avec sa clique de potes (Mainframe et The Gaslamp Killer) son premier album, «A Sufi and a Killer».

Ce voyage musical proposé, proche du trip chamanique, est un véritable OVNI psychédélique sonore. On y plonge dès l'intro, et «Kobwebz» nous met d'emblée au parfum, l'atmosphère est nébuleuse, l'ambiance indienne (cithares), le son cradingue et la voix lointaine. La production se fait plus propre, plus électronique sur «Ancestors», sur laquelle on reconnaît aisément la touche du compère Flying Lotus. C'est également le cas sur «Holidays», sorti en maxi. Les ambiances sont extrêmement variées, naviguant entre rap, musiques orientales («Klowds»), folk délicat et voix féminines à la sauce pop 60's («Sheep»), soul ou G-funk («Change» et «Candylane»). «Kowboys And Indians» (également sorti en maxi) avec son chant de gitane enflammée est sans conteste un des sommets de ce disque, où il s'avère en fait plutôt délicat de faire des choix, tant transparait une cohésion de ce magma harmonieux.
Le guide mystique a pour lui une arme imparable : sa voix. Elle se fait plaintive et traînarde, nous rappelant alors de manière évidente ce timbre si particulier propre à Ol' Dirty Bastard («She Gone» ou «Stardustin»), mais aussi douce, claire et mélodieuse («Dust» ou «Holidays»), cousine alors des climats chers à Dudley Perkins (le double soul du rappeur Declaime).

Sous de faux airs bricolés de fourre-tout artisanal, un pied coincé dans un rêve, on tient ici un grand disque, diablement attachant, qui doit certainement contenir des substances addictives, le besoin d'y revenir sans cesse tendant à l'obsession. Est-il éxageré ou prématuré d'évoquer l'impact du «Maxinquaye» de Tricky? Le temps parlera pour lui.

Cédric B

8/10

Sortie prévue le 08/03/10
(Warp/Discograph)

http://www.sufisays.com/
http://www.myspace.com/gonjasufi

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Deux morceaux en écoute en bas du lecteur

CLARA MOTO Polyamour

2010-03-01T19:05:00.010+01:00

Le label InFiné (fondé par le lyonnais Agoria) poursuit son brillant travail de défrichage, mêlant avec bonheur musiques électroniques, pop, jazz et musique classique. Après les remarquables et remarqués travaux de Rone, Aufgang et Danton Eeprom l'an dernier, c'est aujourd'hui au tour de Clara Moto de passer au long format.

Originaire de Graz, Clara Prettenhofer de son vrai nom s'était déjà distinguée il y a un peu plus de deux ans avec la sortie du maxi «Glove Affair». Cette petite bombinette au gimmick obsédant figure en bonne et due forme sur ce «Polyamour», véritable déclaration d'amour aux musiques électroniques, qui navigue entre techno minimale chaleureuse et electronica gracieuse.
«Emory Bortz» et ses cordes aériennes nous emmène dans cet univers sensible et raffiné, résumant bien ici la griffe de l'autrichienne, qui a produit cet album en y apportant sa touche féminine de manière évidente. Toute en évolution sur «Alma», sa musique enfile un masque plus pop sur «Deer And Fox», sur le baléarique «Joy Of My Heart» et sur le single «Silently», qui évoque clairement l'influence d'Herbert. Trois titres interprétés par Mimu, dont la voix n'est pas éloignée de celle de Roisin Murphy (Moloko).
Elle explore également des contrées plus atmosphériques («Song of Exhaustion and Ivory») voire proches de l'ambiant («Goodnight Twilight»), mais sait aussi parfaitement comment mettre le feu aux poudres (et aux dancefloors) avec «Threeminutes» et ses basses bien rondes ou sur «Take A Second».

Un disque attachant qui balaye un large spectre musical, Clara Moto y apportant une élégance et une sensibilité qui confère à son électronique une texture très organique.

Cédric B

7/10

Paru le 01/03/10
(InFiné/Discograph)

http://www.myspace.com/claramoto

Clara Moto "Silently" from InFine Music on Vimeo.

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Un morceau en écoute dans le lecteur

SHEARWATER The Golden Archipelago

2010-02-26T18:02:00.007+01:00

En ces temps de dématérialisation avancée, où les disques ne se résument souvent plus qu'à une suite de fichiers, demeure parfois un choc esthétique et visuel. La pochette du sixième album de Shearwater, groupe adulé des critiques indés, en fait partie. Elle pourrait d'ailleurs être mise en perspective avec celle du dernier Midlake, les deux groupes texans ayant notamment pour eux en commun un curieux attrait envers les tuniques à capuches, et surtout une mystérieuse quête guidée par la lumière. Les auteurs du récent «The Courage of Others» semblant plutôt pour leur part tenter de s'extirper d'une lugubre forêt.

«The Golden Archipelago» est une véritable ode au voyage, un appel du grand large. Optant en général pour des visuels assez chiadés, mettant régulièrement en scène la nature, ce dernier traduit bien le ressenti qui se dégage de son écoute, dénotant une ouverture vers l'extérieur, avec cette lumière quasi aveuglante se reflétant sur l'océan, se distinguant de la sensation plus introspective du précédent «Rook».

Le principal artisan de ce changement de cap n'est autre que le capitaine de ce vaisseau héroïque, Jonathan Meiburg, dont la voix épouse plus que jamais une insolente gamme d'émotions. L'ancien compère de Will Sheff au sein d'Okkervil River, asumant désormais pleinement son leadership, la pose ici sur de luxuriantes compositions, d'une richesse d'orchestration comparable au travail d'orfèvre de Grizzly Bear sur «Veckatimest» (voir le splendide «Landscapes at speed»).
Tantôt caressante et en apesanteur sur «Hidden lakes» ou sur le superbe mais trop court «Runners of the sun» avec ses cordes discrètes, elle se fait épique et sonnant la charge sur l'immense «Black eyes» (sommet de l'album) ou sur «Corridors», pour tout simplement s'envoler et rejoindre une colonie d'oiseaux marins (chers à l'ornithologue Meiburg).

D'aucuns leur reprocheront une tendance à la grandiloquence (notable sur «Uniforms»), mais cette emphase assumée sied à merveille à leur univers, subtil mariage de mélodies raffinées et de puissance orchestrale. Cette traversée vers l'archipel d'or se révèle au final un pur moment de grâce.

Cédric B

8,5/10

Paru le 23/02/10
(Matador/Naïve)

http://shearwatermusic.com/
http://www.myspace.com/shearwater

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Deux morceaux en écoute dans le lecteur

COMSAT ANGELS Waiting for the miracle (1980)

2010-02-24T21:00:00.008+01:00

«There’s no future in England’s dreaming»… rétrospectivement, le hurlement de ce pourri peroxydé de John Lydon qui pissait sur Pink Floyd et la reine mère s’est révélé être un amuse bouche au vu du climat oppressant et macabre de l’Angleterre post punk. Les cygnes de la tamise ont dû cohabiter malgré eux avec les corbeaux noirs chers à notre Barbara à plume et la dinde conservatrice de fer. Sheffield ne fait pas exception à la règle à l'époque et former un groupe pour Stephen Fellows et sa bande reste le meilleur placebo pour espérer survivre. Avec un nom emprunté à une nouvelle de JG Ballard, Comsat Angels commence sa carrière en s’imposant d’emblée avec un single imparable «Independence day» qui fit mouiller le slip à poche de John Peel, ce dernier les conviant d’emblée à l’une de ses «Sessions» .

Au spleen pathologique et néanmoins fascinant de Ian Curtis, Fellows répond par une voix et des textes certes sombres mais qui semblent plus évoquer une petite boule d’angoisse que l’envie de fourrer un sèche cheveux sous tension dans sa baignoire (et non pas ailleurs n’est ce pas Claude?)

L’album ne tarde pas à suivre en 1980, le groupe étant signé rapidement par Polydor pour trois disques. L’angoisse cohabite avec une tension ainsi qu’une volonté de s’en sortir, en attestent des textes non dénués d’ironie. Les basses sautillent et font trembler la bouteille d’eau minérale sur l’ampli pendant que le synthé tente des approches coquines avec une guitare convulsive à la timidité idoine. Comsat Angels partage ses premières tournées avec Gang Of Four , leur utilisation martiale et politique de leurs instruments étant très similaires. Mais alors que le quatuor de Leeds confirmera qu’il vaut mieux remuer son bassin que ses méninges, Comsat Angels glissera avec ses deux albums suivants, «Sleep No More» (1981) et «Fiction» (1982) dans des ambiances bien plus macabres et marécageuses. Certes non dénués d’intérêts, ces deux disques demeurent beaucoup moins accessibles contrairement à la concurrence qui commence à faire rage sur les terres du Royaume Uni, notamment le berger Ian Mcculloch et ses Bunnymen.

En plein boom 80’s et pour survivre, le cocon nébuleux donnera naissance aux C.S. Angels, gâchant ainsi le curriculum vitae d’un groupe qui aurait pû voler parmi les plus grands sans ses rêves de supermarché. L’ambition commerciale du groupe flirtera lamentablement avec des tacherons tels que Spandau Ballet et les garçons coiffeurs de l’époque, armés d’un synthé en bandoulière et comme unique talent un brushing impeccable. Et si la décoloration ne tuait pas que le cheveu? Et si finalement on ne pouvait pas faire ce que l’on veut avec ses cheveux ? Mr Lydon semble d’accord…

Franck aka Trashyshooper

Paru en 1980
(Polydor)

Un morceau en écoute dans le lecteur

2010-02-24T20:56:00.004+01:00

L'heure est venue d'inaugurer une nouvelle rubrique, proposée par une autre plume, consacrée au grands classiques oubliés et autres trésors cachés de l'histoire du rock.
Une première chronique qui vient rebondir sur les influences cold-wave de LoneLady,
bienvenue à Franck aka Trashyshooper.

LONELADY Nerve Up

2010-02-21T23:32:00.010+01:00

Cette jeune femme n'est pas aussi seule que son pseudo pourrait le laisser croire. Originaire de Manchester et signée sur Warp, Julie Campbell (de son vrai nom) trimballe sur ses frêles épaules pourtant solides un lourd bagage : une part de l'héritage post-punk.

Après plusieurs singles, elle sort son premier album, qui empreinte d'ailleurs son nom à l'ultra efficace et sensuel «Nerve Up». Enfanté sur les cendres de la new-wave et du funk blanc, sous le regard bienveillant du fantôme de Tony Wilson, ce disque rend dans sa modernité hommage à l'esprit du label Factory. On retrouve ici ces rythmiques post-punk taillées dans l'os, boites à rythmes martiales et autres riffs de guitares ténus, des sonorités fidèles à l'esprit de Joy Division, Gang Of Four ou A Certain Ratio («Intuition» ou «Early The Haste»).
On y croise également ce minimalisme très «Do It Yourself» rencontré il y a peu chez les cousins londoniens de The XX. Mais ce qui distingue la mancunienne, ce qui lui permet d'éviter de glisser dans une reproduction hagiographique du passé, c'est sa voix. Tour-à-tour douce, nerveuse, aérienne («Marble») ou fragile («Fear No More»), elle s'adapte discrètement et élégamment en fonction des morceaux.

Ambassadrice contemporaine de sa ville, à laquelle elle rend hommage avec classe et respect, on souhaite à cette LoneLady un destin d'envergure internationale, portée par un label qui, n'ayant plus rien à prouver dans le domaine des musiques éléctroniques, se diversifie avec bonheur (Grizzly Bear, au hasard) depuis un certain temps.

Cédric B

6,5/10

Sortie prévue le 22/02/10
(Warp/Discograph)

http://www.myspace.com/hiholonelady

TWO DOOR CINEMA CLUB Tourist History

2010-02-18T23:13:00.017+01:00

Précédés d'une réputation grandissante, ces trois jeunes irlandais bondissants (Two Door Cinema Club ne s'est formé qu'en 2007) débarquent à toute allure ces jours-ci avec leur premier album, «Tourist History». Déjà repérés sur les compilations Kitsuné, ils constituent la nouvelle sensation et surtout la valeur montante du label franco-japonais (auteur d'un fabuleux travail de repérage et de découverte ces dernières années) qui compte bien ici tirer les leçons du semi-échec du long format de Cazals.

Rapidemment comparés à Bloc Party ou à Franz Ferdinand, ils ne possèdent cependant pas la dimension solennelle des premiers, ni celle arty des seconds. Par contre, leur grande force provient sans aucun doute de cette propension à expédier des pop-songs imparables et à envoyer des refrains ultra accrocheurs, à l'évidence immédiate. Ces anciens scouts possèdent également des qualités de sprinteurs, leurs morceaux n'excédant que rarement les trois minutes. «Cigarettes In The Theatre» ou «Do You Want It All» débutent chacun sur des rythmiques qui évoquent certes leurs cousins anglais emmenés par Kele Okereke, la gravité mise de côté. Car non content de l'ignorer, ils la défient tout simplement cette gravité, comme le démontre le sautillant «I Can Talk», remixé par ailleurs sur la compilation Kitsuné Maison volume 8.
Ce disque est une véritable usine à tubes dont la pièce maitresse pourrait être, à mon sens, le mélancolique et addictif «What You Know». Mais le très phoenixien «Something Good Can Work» (déjà découvert sur la Kitsuné Maison volume 7) retient également l'attention, et il nous tarde d'ailleurs de les suivre en première partie de Phoenix sur les nouvelles dates françaises de leurs ainés frenchy fraichement awardisés. Cette étrange ressemblance, illustrée essentiellement par les couplets du morceau, peut trouver un début d'explication dans le fait que le français Philippe Zdar a, comme pour les versaillais, participé à la production et au mixage de l'album.

Alors bien sûr, ces jeunes zébulons ne révolutionnent pas la pop, d'ailleurs ils n'en ont jamais eu la prétention, mais quoiqu'il en soit ils l'honorent largement. Ce «Tourist History» est frais et pétillant, éphemère et jouissif, et les hymnes romantiques et post-adolescents qui le composent sont autant de bombinettes de destruction massive de dancefloors.

Cédric B

7/10

Sortie prévue le 01/03/10
(Kitsuné/Coop/PIAS)

http://www.myspace.com/twodoorcinemaclub

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PANTHA DU PRINCE Black Noise / This Bliss

2010-02-14T23:00:00.027+01:00

Actif depuis 2002 sous le royal pseudonyme de Pantha du Prince, l'allemand Hendrick Weber (également connu sous ceux de Panthel ou Glühen 4) a sorti cette semaine son troisième album, «Black Noise».

Découvert tardivement pour ma part, le choc inhérent à l'écoute devenue rapidemment obsessionnelle de « The Bliss » (son second opus datant déjà de 2007), encore tout frais au sein de mon système sensoriel, est encore bien loin d'être digéré. Après une relative prise de distance vis-à-vis de l'électronique minimale en général, devenue peut-être trop austère si ce n'est ennuyeuse, ce disque fut celui de la réconciliation voire de la révélation.

Car l'artiste de Hambourg transcende littéralement le genre, il est sans aucun doute celui qui le porte le plus haut depuis le danois Trentemøller. Chacune des longues plages délivrées sont autant d'histoires dont on ne serait jamais sûr, pour notre plus grand bonheur, de connaître la chute, ni même de réussir à se familiariser entièrement avec les protagonistes, tant ceux-ci évolueraient au fil du temps. «Saturn Strobe» et ses cordes majestueuses illustre à merveille ce propos, tandis que le puissant et titanesque «Moonstruck» dévaste tout sur son passage, avec son gimmick obsédant.
Dans une veine minimale plus classique mais néanmoins précieuse, «Urlichten» ou «Steiner Im Flug» tirent leur épingle du jeu, alors qu'«Eisbacken» et son canevas de bleep en tous genres possède d'une certaine manière des vertus thérapeutiques.

Signé depuis peu sur Rough Trade Records, pas forcément connu comme une terre d'asile pour les artistes issus de la sphère électronique, Pantha du Prince n'a donc pas choisit la facilité en évoluant loin de ses terres. Mais ce «Black Noise» se montre à nouveau à la hauteur de ses ambitions, et l'audience du prodige mériterait à s'en trouver élargie. Tout commence ici par deux passionantes symphonies à base de carillons, xylophones et autres percussions squelettiques («Lay In A Shimmer» et «Abglanz»). «The Splendour», premier extrait de l'album (qui voit la participation de Tyler Pope, bassiste de LCD Soundsystem), tout en élégance et en retenue, poursuit dans cette voie avec grâce. On atteint ensuite des sommets sur «Stick To My Side», la voix de Noah Lennox sublimant les textures sibyllines de l'allemand, avec cette mélodie faussement innocente et véritablement ensorcelée dont le chanteur d'Animal Collective a le secret. «Bohemian Forest» domine une seconde partie d'album peut-être un chouillat moins inspirée, bien que joliment ponctuée par deux morceaux très aériens («Im Bann» et «Es Schneit»).

Au final, une double chronique pour évoquer deux disques majeurs, dont la pureté des sonorités cristallines ne s'apprécie par ailleurs que d'avantage au casque et dont le premier (« The bliss ») peut être qualifié tout simplement de chef-d'oeuvre. La résultante du travail d'un orfèvre qui, aux côtés notamment de Trentemøller ou Four Tet, offre aujourd'hui à la musique électronique en général et à la techno minimale en particulier ses plus belles pièces.

Cédric B

This Bliss : 8,5/10 (paru le 05/03/07 sur Dial Records/La Baleine)

Black Noise : 7,5/10 (paru le 09/02/10 sur Rough Trade Records/Naïve)

http://www.panthaduprince.com/
http://www.myspace.com/panthaduprince

Pantha du prince (feat Panda Bear) - Stick to my side (Official video) from Amaury Riega on Vimeo.

Pantha Du Prince - Black Noise album trailer from Rough Trade Records on Vimeo.

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